Matices Gráficos

Evolución de 25 logos famosos. Parte 3

2011-05-10T14:46:00.000-04:00

En las últimas semanas hemos estados viendo la evolución de 25 reconocidos logotipos, y que por si te has perdido las partes anteriores puedes revisar Aqui la primera parte, y la segunda parte Aquí. Es así como de a poco nos vamos acercando al final de esta revisión por los cambios y evoluciones que han sufrido diversos logotipos. Algunos conocidos, otros no tanto, pero logotipos que han cambiado y se han adaptado a través del tiempo, sobreviviendo en cierto modo a la gran oferta de productos de empresas competidoras y de la larga y dura lucha entre marcas.

Así que los invitamos para continuar revisando algunos que otros logotipos, y seguir sorprendiéndose con los cambios que las grandes marcas pueden experimentar a través de los años.

Renault

El Logotipo de Renault comenzó como un medallón con las iniciales de los fundadores en 1900. Los siguientes dos diseños de logos que siguen indican los productos que estaban vendiendo, es decir, automóviles (1906) y tanques (1919). Cuatro años más tarde, el logotipo dio un giro a su diseño y lo reemplazó con una parrilla que se encuentran comúnmente en la parte delantera de un vehículo. No fue hasta 1925 que Renault adoptó el logo en forma de diamante que reconocemos hoy en día. En 1946, su color amarillo firma se agrega en el logotipo. Después de otras modificaciones durante la segunda mitad del siglo, el último logo de Renault se creó en 2007

Coca~Cola

Hay una larga historia del logo de Coca-Cola, a partir de 1886. Contrariamente a las creencias populares, el primer logotipo de Coca-Cola no era el logotipo de secuencia de comandos que vemos hoy, pero parecía más bien como una fuente de negro mate de aspecto deletrear su nombre. Fue sólo después de ese año que Coca-Cola comenzó a utilizar su famosa secuencia de comandos spenceriana que se puede reconocer en primera instancia. Durante el siguiente siglo, había muchas variaciones de sus logotipos. Todos los logos trataban de mantener su secuencia de comandos, excepto la de 1985.

Fiat

Técnicamente hablando, el primer logotipo de Fiat fue un desagradable pergamino de cuero marrón donde fueron escritos datos de la empresa. No fue hasta dos años mas tarde, en 1901 que Fiat se acercó con un logotipo propio que expuso su marca en un emblema azul.

IBM

La fusión de los logotipos de ambas compañías (International Time Recording Company y Computing Scale Company) resultó en el primer funcionario logotipo de IBM en 1911. No fue hasta en 1947 que IBM creó el logo tipo de letra bien conocida. Después de una pequeña modificación en 1956, y otro cambio final en 1972, IBM finalmente se estableció con su actual logotipo azul con rayas horizontales.

Lego

el logotipo de Lego comenzó con una redacción sencilla, sin diseño en particular. Se trata simplemente de fuentes en blanco en cursiva. Así es como luego el logotipo se mueve gradualmente hacia uno con un fondo rojo, y el resultado final fue fuentes blancas sobre un fondo de color rojo brillante que es el que actualmente conocemos.

Aparte de el lema de la compañía "Life's Good", es también una abreviatura de sus dos empresas anteriores antes de la fusión, "Lucky"y "Goldstar". En 1995, 'Lucky Goldstar cambió su nombre a "LG Electronics, con su logotipo de la marca actual.

Y tú, ¿conoces la diferencia?

2011-05-09T12:00:00.002-04:00

Generalmente en todo el gran mundo de internet vemos que se habla sobre el logotipo que representa a una empresa y cosas por el estilo, pero más allá de eso existe una amplia variedad de formas en que las empresas pueden crear la imagen que finalmente los representará. Como diseñadores gráficos deberíamos conocer esta diferencia, ya que es muy distinto que un cliente nos pida que creemos la imagen corporativa de su empresa, a que creemos un logotipo para esta misma.

Son diferencias que a simple vista y para cualquier persona normal pueden carecer de importancia, pero que para cada diseñador marcan diferencias realmente importantes, razón por la cual conocer cada uno de estos "conceptos" y saber de que trata cada uno de ellos es fundamental para lograr hacer un buen trabajo y que nuestros clientes queden satisfechos.

Es por esto que hoy traemos algunas breves explicaciones desde lo que es el ya tan reconocido y nombrado logotipo, hasta que una identidad corporativa, así que si no tenías idea de que existen tantas formas distintas de representar a una empresa y formar la identidad de esta, no te preocupes, que ya te lo explicamos.

Identidad corporativa

Una entidad, sea una empresa o una institución, necesita una razón de ser. Un nombre. Este es el comienzo de todo. Este nombre debe ser atractivo y capaz de permanecer en la mente del receptor. Para cumplir este objetivo, se emplean una serie de herramientas visuales y psicológicas que pretenden incidir en el subconsciente del receptor, provocando el recuerdo y el consiguiente deseo por la marca, la deseada fidelización. Hablamos de la combinación de Identidad verbal (Naming) con la Identidad visual (marca + códigos de conducta). Si cogemos la Marca (logotipo e imagotipo) combinada con el color, la tipografía y la forma de comunicar la marca, obtenemos la fórmula de la identidad corporativa:

Identidad verbal + Identidad Visual = Identidad Corporativa

Marca corporativa

Es la seña de identidad de la empresa. La marca es capaz de transmitir los valores de una empresa, por lo que nos referimos a ella como “embajadora de la empresa” de cara al exterior. La marca está formada por:

1-. Logotipo

Este término, a pesar de ser el más común, suele ser el peor utilizado, ya que a menudo es confundido con términos como marca o imagotipo. Realmente sólo sería apropiado hablar de logotipo cuando nos refiramos a formaciones de palabras. Logo significa palabra. Por tanto, no son logotipos todos aquellos identificativos formados por símbolos o iconos junto al texto, sólo aquellos que se limiten a la mera tipografía.

2-. Imagotipo

Es el símbolo que apoya al logotipo. Trata de comprender la idea global de la empresa en la mínima expresión. Es por tanto un apoyo muy importante para la marca, ya que un buen imagotipo es capaz de comunicar por sí solo, siendo un conjunto icónico-textual en el que texto y símbolo se encuentran claramente diferenciados e incluso pueden funcionar por separado.

3-. Descriptor

Se trata de definir la actividad de la empresa, es decir, poner a lo que se dedica la empresa bajo la marca.

4-. Claim

Es una frase que suele apoyar a la marca y en la mayoría de las ocasiones da un mensaje potenciador para que los consumidores crean en la marca.

Isotipo

El isotipo se refiere a esta parte simbólica o icónica de las marcas. En branding, hablamos de isotipo cuando reconocemos la marca sin necesidad de acompañarla de ningún texto. Etimológicamente “iso” significa “igual”, es decir, se intenta equiparar un icono a algún aspecto de la realidad. Isotipo sería únicamente un símbolo, y además éste sería entendible por sí mismo.

Isologo

En este caso, el texto y el icono se encuentran fundidos en un solo elemento. Son partes indivisibles de un todo y sólo funcionan juntos.

Imagen Corporativa

Cuando hablamos de la imagen de una empresa, nos referimos a la concepción psicológica que tenemos hacia una entidad en concreto; es decir, si una empresa nos parece buena, mala, si tiene una correcta atención al cliente o si nos desesperamos cada vez que llamamos para pedir una cita… Se definiría como la actitud que muestra la empresa conforme a los valores que pretende representar. Para lograr la Imagen Corporativa es necesario combinar dos conceptos:

Actitud empresarial de los componentes de la entidad + Identidad Visual = Imagen Corporativa

Si uno de los dos elementos que componen esta fórmula falla, hablamos de una mala imagen corporativa.

Herramienta pincel [Tutorial]

2011-05-04T12:00:00.000-03:00

Photoshop, conocido por la gran capacidad que otorga a quien sabe utilizarlo de buena forma, para crear incluso nuevos mundos completos, hace que este programa tenga variantes que hagan de él uno de los más preciados tanto en el mundo del diseño como fuera de él. Pero dentro de todas sus posibilidades y todas las herramientas que nos ofrece es difícil lograr, por lo menos a corto plazo, aprender a utilizarlo de forma optima. Es por esto que buscamos tutoriales que nos ayuden a comprender de mejor forma cada una de las funciones de este programa, comenzando por las herramientas que este tiene y las cuales en ocasiones no sabemos utilizar del todo bien.

Una herramienta de gran importancia es la herramienta pincel, que es una de las más básicas de este querido programilla, pero que en cuanto más aprendan a utilizarlo se darán cuenta que de la misma forma en que ocupamos esta herramienta funciona las mascaras de capas y otras, así que si aprendemos a utilizar esta herramienta tan básica pero tan útil tendremos la base para muchas otras funciones de este programa.

En el tutorial que dejamos hoy podrán aprender desde lo más básico de la herramienta pincel, desde como configurar la herramienta, hacer patrones de pinceles y utilizar la herramienta para configurar los patrones de colores de una imagen. Solo tienes que ver el tutorial de dos partes que dejamos para ustedes, que dura un poco más de 19 minutos, pero en el que no hay desperdicio alguno.

Train of Thought

2011-05-03T15:30:00.000-03:00

Train of Thought, o, El tren de los pensamientos fue un film creado por Leo Bridle y Ben Thomas como su proyecto de graduación en el instituto de las artes en Bournemouth. Para crear este corto utilizaron como técnica el papel y la animación, técnica popularmente conocida como Stop motion, en la cual se le dan movimiento a figuras de papel así como también a otro tipos de materiales como plasticina u otros.

En este vídeo se relata la corta pero interesante historia de un hombre quien mientras espera el tren que lo llevará a su siguiente destino imagina que su encuentro con la chica que retrata en sus dibujos, y donde un viaje en tren, los propios dibujos cobrando vida y la música que acompaña a la historia nos llevan a un hermoso pero quizás precipitado final.

Todo el trabajo que se realizó para lograr hacer este cortometraje de no más de 4 minutos, fue el logro de un total de 9 largos meses, desde la realización del Story board hasta los último toques en la edición. Y es que recortar cada personaje y darle movimiento de la forma en que se espera finalmente se vea no es cosa de solo una semana o un poco más, y por muy simple que pueda parecer realizar un trabajo con papel si esta clase de técnica se quiere llevar a otro nivel, conlleva un trabajo duro y acabado para no dejar escapar ningún detalle.

En el making off, que dejamos también a continuación, se puede ver el proceso desde el casting de actores, la construcción de los decorados y la implementación de los personajes con arreglo al guión y el proceso de montaje de una historia donde el dialogo es sustituido por el lenguaje gestual y las expresiones que se le otorga a cada personaje ayudados también de los distintos planos, donde además el acompañamiento de la música también nos acompaña y nos ayuda a imaginar una historia mucho más larga de los que aquí se nos muestra.

Evolución de 25 logos famosos. Parte 2

2011-05-02T13:00:00.001-03:00

Ya la semana pasada mostramos 6 conocidos logotipos y los cambios que estos han tenido desde sus inicios. Por si no vieron el artículo pueden revisar la primera parte Aquí. Hoy, en esta segunda parte, mostraremos 6 logotipos más con todos los cambios que han sufrido a través de los años. Y si bien es cierto hay marcas que han experimentado mayores cambios que otras, todas han llegado a buen puerto, siendo logotipos que de forma fiel y satisfactoria representan a su empresa. Tarea no muy simple y muchas veces no muy bien preciada, pero siempre que se logra de buena forma es motivo de agradecimiento. Así que disfruten de esta segunda parte y con estos seis nuevos logos famosos.

Pepsi

Aunque en un principio Pepsi jugó más con la tipografía, una bastante ilegible por lo demás, en 1950 presenta el primer diseño donde aparece la tapa redonde de la botella en color rojo, azul y la escritura sobre la parte del fondo blanco. Desde esa época comenzó a jugar con el diseño de la tapa y la tipografía, pasando varios procesos y llegando al diseño ue actualmente conocemos dode la tipografía es más ligera y la tapa es aquel circulo que siempre lleva los tres colores representativos de la empresa.

Xerox

La historia del logo de Xerox comenzó en 1937 cuando la empresa era conocida como Haloid Company. El nombre fue sustituido en 1961, a raíz de una copiadora aclamado, desarrollaron la haloid Xerox 914. Desde entonces el tipo de letra "Xerox" se convirtió en la única característica del logotipo hasta el 2008. Esta vez, pusieron en un símbolo rojo de la bola con una "X" algo pintado en él, una carta blanca que podría permitir a la gente reconocer mejor la compañía

BMW

Todos saben cual es un auto BMW en cuanto lo ven, pero la mayoría no conoce el significado del logotipo. La marca insignia BMW azul-blanco simboliza el movimiento de una hélice de avión, de las hojas blancas de corte a través de los cielos azules. Fue creado por primera vez en 1923, pero el logotipo se ha mantenido más o menos a como eran sus rasgos originales sin contar con las pequeñas modificaciones que ha sufrido el logotipo.

Wal-Mart

En 1962, Wal-Mart comenzó su negocio con un logo simple, que consistía en su marca en una fuente que está disponible para su impresora. Con los años, el logo se mantuvo casi igual, excepto para el uso de diferentes fuentes y colores. Fue hasta el año 2008, que fue la última vez que se altera el logotipo, que Wal-Mart utiliza tanto en mayúsculas o versalitas para deletrear su nombre de marca, incluido su lema de empresa, así como colocar un símbolo amarillo en forma de estrella en el lado de su nombre.

Siemens

Siemens solía tener un símbolo como logotipo desde 1899. El símbolo fue efectocoombinado de colocar "S" y la letra "H" juntos, que eran las iniciales de sus fudadores- Siemens y Halske. Se conserva en 1973 después que le compañía pasó a llamarse simplemente Siemens AG. La última actualizacción en 1991 resultó en el tipo de letra color cian "Siemens"

Canon

El primer logotipo de Canon fue de hecho muy diferente de lo que sigue en los últimos años. Fue una representación de la dios budista de la misericordia sentado en una flor de loto, con sus miles de armas rodeado por las llamdas. El logotipo siguiente en la línea sólo conservó su miles de armas y rodeado por las llamas. El logotipo siguiente en la línea solo conversó su "Kwanon" nombre de la marca, utilizando tipos de letra única. En 1935, el logotipo Canon se cambió por el de "Canon". Este logotipo se refinó paulatinamente hasta 1956, cuando se convierte en el logotipo que vemos hoy.

Creatividad ¿de donde proviene?

2011-04-29T12:00:00.001-03:00

Si una de las cosas por las que un diseñador debería destacar siempre es por su capacidad creativa, lo menos que se espera de un diseñador es que la creatividad le brote por lo poros, pero ¿de donde proviene toda esa creatividad? es una pregunta que nadie se hace muy frecuentemente, pero la que quizás deberíamos detenernos un poquito y preguntarnos de donde sale toda aquella creatividad que tanto nos identifica. Después de todo, somos de esas carreras de las cuales la gente no tiene la mínima idea de cual es nuestro trabajo, pero que si saben que somos quienes nosotros quienes generamos propuestas creativas para sea lo que sea que hagamos. Y siendo así, ¿no deberíamos preguntarnos más seguido de donde salen nuestras geniales y novedosas ideas? quizás saber esto nos ayudaría a entender porqué en ciertas ocasiones no se nos ocurre ninguna por más que pensemos y re-pensemos, y porqué en ocasiones que no estamos generando nada productivo se no viene alguna estupenda idea a la mente luego de haber estado horas frente a un papel y un lápiz y haber dejado la hoja en blanco..

Y si usted nunca se hizo esta pregunta, no se preocupe, que alguien se adelantó y ya la respondió. En este vídeo Where Good Ideas Come From (De donde vienen las buenas ideas) se nos explica todo el proceso que se genera antes de que una idea llegar a ser tal, o antes de que incluso seamos conscientes de que hemos generado alguna nueva idea creativa. Porque después de todo, llegar a ser alguien creativo también tiene un largo proceso en el que se debe aprender a generar ideas creativas. No todos nacemos siendo espontáneamente creativos ni tenemos la misma capacidad de respuesta creativa a las mismas situaciones. Por algo el trabajo creativo es siempre bien pagado, hoy en día se ha aprendido a valorar más a un creativo que a un ejecutor, productores pueden haber muchos, pero mentes realmente creativas son las menos y las más preciadas.

Y ya sin más que decir, vean el vídeo y disfrútenlo.

Simmetry

2011-04-28T20:05:00.000-03:00

Symmetry es un cortometraje creado por everynone en el que nos muestran las semejanzas y diferencias de ciertas cosas o situaciones de las que normalmente no nos damos cuenta. Es un vídeo muy sencillo pero que te deja pensando sobre esas cosas simples de la vida de las que no te percatas y que siempre han estado frente a tus ojos, pero es que como hoy en día todos andamos corriendo tratando de cumplir con todos nuestros deberes ya a nadie le importa fijarse en cosas tan simples como aquellas semejanzas que podemos encontrar en cosas muy sencillas pero que en ocasiones podrían sorprendernos.

Son trabajos como estos, sencillos, de calidad y que de una u otra forma siempre te dejan un mensaje, los trabajos que se agradecen, y que siempre nos dejan pensando en que con cosas tan simples se pueden hacer cosas tan agradables a la vista y al oído, que más sería si nos detuviéramos a observar un poco cada día en vez de simplemente pasar corriendo a todos lados sin fijarnos en nada ni nadie. Quizás si lo practicáramos veríamos más seguido trabajos como el que ahora dejamos a ustedes para que lo disfruten, así que ya si más palabrería, véanlo y disfrútenlo, que de seguro se darán cuenta de que las cosas en la vida pueden ser mucho más interesante de lo que nosotros mismo creemos que son, y del valor que le damos a estas.

The mountain

2011-04-25T13:00:00.000-03:00

The mountain es un corto filmado por Terje Sorgjerd, apasionado de la fotografía de paisajes y director de cine en Noruega. Son estas dos pasiones las que une para crear este hermoso cortometraje, del cual podemos ver el resultado luego de varios días de filmación y dedicación, ese trabajo que da gusto ver y es una delicia para la vista.

Terje nos cuenta que realizó la filmación durante el 4 y el 11 de abril, en una afortunada visita que realizó a El Teide, la montaña más alta (3718 m) de España, donde se encuentran variados observatorios, considerados como los mejores del mundo, razón por la cual también es uno de los mejores lugares para fotografíar las estrellas. El objetivo de la filmación era captar la vía láctea en conjunto con una de las montañas más impresionantes que se pueda conocer de aquellos lugares. Lo cual como resultado da este hermoso film del que tenemos el placer de poder disfrutar ahora.

Es un poco más de 3 minutos la duración de este cortometraje que de seguro les dejará con todas las ganas de ir a visitar este lugar y ver las maravillas que aquí se muestran, las mismas que muchas veces pasan desapercibidas ante nuestros ojos solo por el hecho de no prestar atención a las cosas más simples de la vida por estar muy ajetreados con aquellas cosas "más importantes." Pero claramente si no podemos ir a visitar y disfrutar en persona este maravilloso lugar, podemos dedicar 3 minutos a ver toda la magia que se refleja en las escenas aquí captadas. Así que ya sin más preámbulo ni vana palabrería, no queda más que decir sino que simplemente vean este espectacular corto y por supuesto que lo disfruten.

Evolución de 25 logos famosos. Parte 1

2011-04-22T13:38:00.000-03:00

Como ya en ocasiones anteriores hemos dicho, una de las tareas más complicadas para cualquier diseñador llega a la hora de crear una nueva marca, o más bien y popularmente conocido logotipo. Si no recuerdas aquellos artículos te invitamos a revisar algunos que pueden ser de tu interés, como Los 10 mandamientos para crear un buen logotipo o también los 8 consejos para que tu logotipo apeste menos

Pero así como es difícil crear un logotipo (un buen logotipo) aún más difícil es que esta se mantenga intacto al pasar de los años. Y es que la cosa no es tan simple para las marcas así como podría parecer a simple vista, ya que la tecnología avanza, el pensamiento humano evoluciona y cada cierto tiempo, así como todo evoluciona para mejorar, las marcas también deben tener algún que otro retoque para no quedar completamente fuera del mercado y seguir representando de buena manera la identidad corporativa de la empresa a la cual representan.

Es así como hoy presentamos a ustedes, queridos lectores, 25 famosos y conocidos, la gran mayoría por lo menos, logotipos que han variado a través de los años y que desde sus inicios han ido mejorando hasta llegar a lo que actualmente conocemos.

Hoy dejamos 6 logotipos que de seguro reconocerán, y de los que podrán sorprenderse por la evolución que estos han experimentado.

Shell

El primer logotipo de la reconocida gasolinera Shell fue en 1900, el cual se desarrolló, como podrán ver, como la ilustración de una concha, la cual a través de los años a evolucionado llegando a lo que actualmente conocemos, y teniendo un cambio considerable en 1948, donde se integra el color a la marca, y la ilustración comienza a experimentar una mayor síntesis en sus trazos dando el primer paso para llegar a la marca conocida por estos días. Actualmente este logotipo está tan relacionado con la gasolinera que ya no es totalmente imprescindible que junto al isotipo aparezca el nombre de la empresa, lo cual es el ideal en toda marca, y a lo que siempre se debería aspirar.

Microsoft

En 1992, el logotipo de Windows 3.1 fue una ventana literal con cuatro paneles y un marco negro que irrumpieron en las colas de un lado como un meteoro. Seguía siendo el mismo hasta que Windows XP fue lanzado en 2001. El logotipo de Windows XP fue minimizado hasta sólo los cuatro cristales de colores flotantes sin marco - claramente de Windows pero mucho más simple.

Volkswagen

El logotipo original de VW (1939) es un círculo alrededor del cual gira una serie de engranajes, los cuales con el pasar de los años fueron eliminados por el tiempo en que la segunda guerra mundial llegaba a su fin. Fue por el año de 1967 que se agregó color a la marca, llegando finalmente a los colores conocidos en la actualidad, azul y plata, y quedando la marca más simplificada, representativa y entendible que aquella hecha en 1939.

Nike

Una marca que a mantenido su "idea original" al pasar de los tiempos es Nike. Si bien esta ha sufrido cambios como los que se ven a continuación, estos no han sido tan dramáticos como los cambios que muchas otras marcas han experimentado. Una cosa a destacar de Nike es que desde sus incios en 1971 fue una marca que conservó y se podría decir que se rigió por la primicia de "menos es más" haciendo que a través de ella se puede ver el minimalismo en su máxima expresión. Los mayores cambios que ha experimentado este logotipo ha sido la tipografía de la marca y el posicionamiento del isotipo dentro del espacio, pero el cual se ha mantenido a través de los años. Además, cabe destacar que actualmente Nike es tan reconocida a nivel mundial que ya tan solo utilizan el isotipo por si solo en las aplicaciones que realizan a sus productos.

Mozilla firefox

Originalmente el nombre de este navegador fue "Phoenix" el cual por razone legales tuvo que ser cambiado quedando en los que actualmente conocemos por "Firefox." Fue debido a este cambio de nombre que también el logotipo debió ser cambiado, siendo este originalmente un ave fenix con las alas extendidas y cambiando luego al zorrito que rodea el mundo que ya todos conocemos. Pero vamos, nadie se puede confundir entre que logotipo es mejor, ¿no?

Apple

Sí, señoras y señores, esta actualmente reconocida empresa por la calidad y exclusividad de sus productos también experimentó algunos cambios de logotipos, los cuales se agradecen.

El primer logotipo de Apple, creado por allá por 1976, gráfica la escena en la que señor Isaac Newton por medio de una manzana descubre lo que actualmente conocemos como gravedad. Dentro del mismo año el logotipo fue cambiado a algo más sencillo, quedando así una manzana con rayas de arco iris, líneas que más tarde, en 1998, serían quitadas para dejar la silueta de la manzana mordida en un sobrio y elegante color negro, y la cual se ha mantenido hasta nuestros días.

Charles Chaplin

2011-04-18T14:00:00.001-03:00

Por si usted, querido lector, no se había enterado, el recién pasado sábado 16 de abril los cinéfilos del mundo entero celebraban el nacimiento de Charles Chaplin hace ya 122 años atrás. Evento tan importante se considera que incluso google hizo un homenaje en su página de inicio al actor inglés que dedicó su vida al trabajo humorístico. Pero Chaplin no tan solo fue actor, sino que también se desarrolló como compositor, productor, director de cine e inclusive escritor, realizando importantes trabajos y una gran variedad de cortometrajes y películas, de las que se dice filmó más de 90 entre 1910 y 1950. Durante su vida fue candidato al premio nobel de la paz en el año 1948 y ganó dos premios Oscar. Se casó cuatro veces, tuvo tres hijos y fallece en 1977 a la edad de 88 años.

Su primera obra "Tiempos modernos" es una de aquellas que podría interesarle a cualquier diseñador gráfico, ya que además de hacer una critica sobre aquellos momentos de la vida que cambian constantemente al ser humano, también muestra aquella época del inicio de la revolución industrial, donde aparecen nuevas tecnologías y se sustituye la mano de obra causando un gran aumento en los desempleos. Hecho importante en la historia y más aún en la historia del diseño gráfico, ya que fue debido a la revolución industrial y la llegada de nuevas tecnologías que los sistemas de impresión comenzaron a cobrar vida haciendo posible que la información llegara no tan solo a los de la alta clase sino que al resto de las personas de no tan altos recursos, lo que por consecuencia permitió que el diseño gráfico se expandiera y pudiera explorar nuevas fronteras.

A continuación dejamos el homenaje que hizo google a este gran actor, además de un extracto de la película "Tiempos modernos".

Véanlos y disfrútenlos.

Vive el idioma

2011-04-14T19:12:00.000-03:00

Diariamente en cuanto encendemos el televisor estamos rodeados de campañas publicitarias que buscan lograr diversos efectos en las personas que los ven, pero así como hay muchos spots que nos invaden a cada segundo de nuestras vidas, son pocos los que vale realmente la pena ver. A pesar de ser pocos los buenos spots publicitarios, algunos de los mejores pueden realmente sorprendernos por la creatividad con que resuelven la campaña.

Es el caso de EF, escuela de idiomas que imparte cursos de Inglés, Chino, Francés y Español en el extranjero, y querían hacer una campaña que transmitiese a quien la viera que aprender un idioma es mucho más que solo construir frases de manera correcta, y que también se debe conocer la cultura y costumbres de la gente y el país.

Albin Holmqvist y Gustav Johansson fueron quienes crearon los cuatros spots que reflejan algunas de las costumbres y el idioma de algunos lugares como Barcelona, Beijing, Londres y París. Vídeos que son una verdadera belleza visual y un deleite a los ojos de cualquiera.

Véanlos y disfrútenlos.

Plasticine ipad!

2011-04-13T16:39:00.000-03:00

Ya todos conocen aquella empresa, idolatrada por muchos, depreciada por otros, Apple. La cual con sus productos pretenden llegar a un público objetivo qué, busca lo mejor de lo mejor y más exclusivo en tecnología, o que por su trabajo prefiere tener productos de la mayor calidad posible y tecnología que sea en pro de las tareas que debe trabajar diariamente.

Apple es conocida en el mundo de los diseñadores mayormente por sus computadores Mac, los cuales muchos dicen son el ideal para desarrollar los deberes diarios que cualquier diseñador debe realizar, pero como en cosa de gustos no hay nada escrito, y la tecnología no hace al buen diseñador, muchos preferimos aún quedarnos con el viejo y ya conocido sistema de Windows. Y si bien Apple hasta hace algunos años no era una empresa tan mundialmente conocida, ahora simplemente no se queda de lado y cada día se va haciendo más conocida. Uno de los productos que está más en boga últimamente es el famoso Ipad, dispositivo tipo tablet que se sitúa en la categoría de lo que se podría llamar como "teléfono inteligente" y "computadora portatil" y que resuena mucho por todos lados en estos días.

son precisamente las funciones del Ipad lo que vemos en el Stop motion que dejaremos a continuación, en el cual se utilizó materiales muy sencillos, como la planticina, para crear y simular algunas de las funciones que tiene el ipad, mostrandolo de esta forma como una tecnología amigable y de fácil uso.

Véanlo y disfrútenlo.

6 pasos para planificar proyectos como un profesional

2011-04-11T14:00:00.001-03:00

Como estudiantes o profesionales de Diseño gráfico, bien sabemos que la mayor parte del tiempo, por no decir todo el tiempo, debemos trabajar en más de un proyecto a la vez, lo cual no es nada fácil, pero de una u otra forma debemos tener la capacidad de sacar todos los proyectos o trabajos adelante y entregar resultados satisfactorios, tanto para nosotros como diseñadores como para nuestros clientes. Pero ¿como ser eficientes y no fracasar en el intento de llevar a cabo más de un proyecto a la par? Es precisamente por este motivo que hoy traemos seis consejos para planificar proyectos de una forma eficaz, de modo que seamos diseñadores con la capacidad necesaria para hacer nuestro trabajo cuando es necesario y demostrar a clientes y colegas que somos confiables.

1. No te comprometas (todavía) Esto puede ser difícil para muchos, especialmente si quien solicita el trabajo es el jefe. Pero debes aprender a no decir “sí” a la primera. Mejor di “le echaré un vistazo y te digo luego”. Si sigues los pasos siguientes hasta el final te aseguro que nadie se va a molestar y tu profesionalidad y credibilidad no quedará en entredicho.

2. Estudia lo que te han pedido. Dedica 10-15 minutos a poner por escrito dos cosas:

1) Qué tiene que suceder para dar por terminado el proyecto.

2) Quiénes son los que tienen algún interés y qué es lo que esperan.

Este segundo punto puede ser más complicado de lo que parece. Por ejemplo, si se trata de publicar un anuncio publicitario, tu jefe esperará que se haga rápido y al menor coste, pero él no será el único interesado. También estarán interesados tus compañeros (que la imagen mostrada de la empresa sea la de una empresa atractiva en la que trabajar), tus proveedores (que se les pague a tiempo), etc. Todos tienen expectativas y debes definirlas desde el principio para que todo el mundo termine satisfecho.

3. Determina la secuencia de pasos que tienes que dar. Basándote en la lista anterior, haz una lista de actividades en términos de resultados intermedios o fases que habrá que llevar a cabo, hasta llegar al resultado final. Luego desglosa cada una de ellas en tareas específicas que supongan 1-5 días de trabajo o un esfuerzo de 1-5 personas/día.

A la hora de describir las tareas, procura ser muy específico, dando todos los detalles que sean necesarios para que no haya dudas sobre cómo debe hacerse: estándares, formatos requeridos, etc.

Por último, para cada tarea indica la duración, es decir, cuándo esperas empezar y terminar la tarea. Ten en cuenta que la duración es diferente del esfuerzo o trabajo. Mientras que la duración se expresa en fechas reales de calendario, el esfuerzo no es más que la medida de cuánto cuesta hacer algo.

4. Analiza quién debe hacer qué. Para cada tarea de la lista anterior, piensa quién será el responsable de llevarla a cabo. Esto es fundamental para determinar si faltan tareas intermedias que no habías contemplado y analizar lo que puede salir mal, como veremos a continuación.

5. Piensa en todo lo que puede salir mal. En función del desglose de tareas que ya tienes, revisa una por una y anota en una lista separada qué es lo que puede salir mal y qué piensas hacer si sucede. Es lo que se llama análisis de riesgos. Algo que he aprendido con la experiencia es que, en muchas ocasiones, los riesgos pueden reducirse de forma considerable simplemente dejando colchones de tiempo entre las distintas actividades.

6. Comprométete a lo que puedes hacer de forma realista. Finalmente, ya estamos en condiciones de dar una respuesta. En base al desglose de actividades y tareas, las suposiciones que hemos hecho y los riesgos que hemos encontrado, podrás decir a tu jefe o cliente: “sí, lo hago, pero suponiendo que tenga tiempo para X, que tenga Y recurso aquí y fulanito tenga listo Z a tiempo”. En cualquier caso, con un plan en mano siempre es mucho más fácil negociar los tiempos, las expectativas y el resultado que se espera de nosotros.

Bodoni Bedlam

2011-04-08T23:06:00.000-03:00

Desde hace ya mucho tiempo, y también gracias a los avances tecnológicos, hemos visto un aumento y una gran variedad de tipografías, tantas son que cada vez es más complejo escoger alguna al momento de realizar algún trabajo. Tipografías hay para todos los gustos, y vienen de todas las formas que se puedan imaginar, pero siempre y desde ya hace años hay algunas que se han ganado una reputación. El máximo ejemplo es Helvética, tipografía que es idolatrada por diseñadores y más, y que es la favorita de muchos a la hora de realizar el diseño que sea, mientras que por otro lado, y como la mayoría bien sabe está la despreciada por muchos Comic sans, tipografía que si bien tiene adeptos, la mayoría continúa sin encontrar un uso real para esta menospreciada fuente tipográfica.

Pero, un momento. Existen muchas más tipografías con las que se pueden hacer trabajos maravillosos, así como lo demuestra Victoria Macey, quien utilizó Bodoni, una tipografía ni idolatrada ni menospreciada, pero sí versátil, para realizar un libro de pop-up, donde se relata la historia sobre la la búsqueda de las letras "D" que han sido secuestradas por el malvado doctor “Dee Catcher”. Véanlo y disfrútenlo.

Tipos de archivos ¿conoces la diferencias?

2011-04-06T20:05:00.003-03:00

Una de las primeras cosas que nos enseñan al ingresar a estudiar Diseño gráfico en la institución que sea, son las diferentes clases de archivos existentes y cuales son los usos adecuados de estos, pero a más de alguno le sucede que, o se nos olvida cual archivo es cual, o simplemente no sabemos cual es el uso correcto de los distintos archivos, entre los cuales por lo demás, tenemos para regodearnos dependiendo de lo que necesitemos.

Pues hoy, en matices gráficos hemos querido dejar un par de vídeos tutoriales por medio de los cuales contestarás algunas de las preguntas que de seguro en más de una ocasión te has hecho. Pepe Gallart, diseñador gráfico y publicitario, contesta por medio de su página tutorialespro, y a través de estos vídeos algunas de las dudas más comunes tales como ¿qué exactamente es un JPEG? ¿Cuál es la diferencia entre un PNG? ¿Cómo y cuándo utilizamos los diferentes formatos?

Son un poco más de 21 minutos entre ambos vídeos, en los cuales no hay desperdicio en verlos y que de seguro contestarán más de alguna que otra pregunta.

4 consejos para fotografía de interiores

2011-04-05T15:47:00.002-03:00

En ocasiones anteriores ya hemos publicado algún que otro artículo dando consejos para mejorar a la hora de tomar fotografías, recordando algunos de ellos y si te interesa el tema puedes revisar consejos para fotografías de retratos o también informarte un poco sobre Los 7 malos hábitos al sacar fotografías y los 5 ángulos de toma para tus fotografías. Es siguiendo esta misma línea que hoy traemos 4 simples pero útiles consejos para el momento de sacar fotografías en interiores, lo que sí, muchos pueden pensar que debe ser aburrido y que no queda mucho espacio para utilizar la creatividad, pero con estos consejos te ayudaremos a que salgas de lo común y logres obtener buenas fotografías, así que sigue leyendo a continuación.

1-. Dispara de diferentes ángulos. Este es uno de los infaltables consejos a la hora de tomar fotografías, pero nunca está de más repetirlo, ya que estamos acostumbrados a disparar siempre desde una posición estándar, desde el punto desde el que observamos las cosas, con la cámara a la altura de nuestros ojos. Prueba a hacer la foto de la estancia desde diferentes ángulos. Además de hacer la "típica foto", repite la toma buscando ángulos diferentes. Es probable que te sorprendas cuando veas que has conseguido fotos más atractivas para la vista que desde la perspectiva

2-. Dota tu espacio de profundidad. Cuando hacemos una fotografía estamos convirtiendo un espacio tridimensional a otro bidimensional. Pero existen recursos para dotar a nuestras fotos de esa sensación de profundidad que teóricamente se pierde al hacerlas.Incluir elementos en primer plano, jugar con las esquinas y aprovechar las líneas, son tres recursos que dotarán a nuestra foto de esa profundidad que muchas veces perdemos si no estamos muy atentos al hacer nuestra fotografía.

3-. Aprovecha las sombras y los reflejos. Tanto las sombras como los reflejos son elementos que en un momento dado pueden aportar mucho interés en nuestras fotos. Determinadas sombras pueden definir patrones que doten de dinamismo una escena. Y los reflejos son sin duda un elemento de atención que nunca falla. Y no solo los encontrarás en los espejos. Ventanas, suelos y otras superficies pulidas te permitirán aprovechar los reflejos de la luz para recogerlos en tu composición y dotar de más interés a la foto.

Y por último, Busca detalles interesantes. En cada interior hay algún elemento que puede resultar de especial interés para el observador, y tienes una oportunidad de identificarlo y utilizarlo a tu favor en la foto. Puede ser de la propia estancia o algún elemento decorativo, pero si te fijas bien seguro que lo identificas. Piensa: ¿qué te llama la atención? ¿La forma? ¿El mobiliario? ¿Algún elemento decorativo? Localizalo y piensa de qué forma puedes incluirlo en tu fotografía para hacerla más interesante.

Corto animado. La dama y la muerte

2011-04-04T12:26:00.002-03:00

Ya que estamos re-inaugurando este sencillo y humilde blog, y así como en ocasiones anteriores hemos traído a ustedes cortos animado, algunos de los cuales fueron nominados a los premios Oscar en la categoría de animación el pasado 2010, hoy nuevamente dejamos un buen cortometraje animado, el cual también fue nominado a la categoría anteriormente mencionada, y que si bien no ganó, tuvo un gran apoyo de la critica y fue nominada a los premios Goya en españa, lugar desde el cual proviene este cortometraje.

¿Que podría ser lo interesante en la producción de esta animación? es un cortometraje dirigido por Javier Recio Gracia en conjunto con el no menos conocido Antonio Banderas, puede parecer un poco extraño, ¿no? pero La dama y la muerte, nombre de este cortometraje es uno de los primeros intentos de animación 3D en España, lo cual no ha sido impedimento para participar junto a otras grandes producciones por importantes premios.

¿La historia? Con un poco más de ocho minutos de duración tenemos la oportunidad de ver los últimos momentos de una adorable ancianita, a quien sus días ya han llegado a termino y por lo tanto viene la muerte en busca de ella, por lo que aquí vemos lo difícil que puede ser este último viaje.

Así que los invitamos a verlo y disfrutarlo.

Estamos de vuelta!

2011-04-03T16:38:00.000-03:00

Como lo habrán notado desde ya hace algún tiempo considerable este blog dejó de realizar publicaciones regulares. Y a decir verdad no hay más que decir que a pesar de que llevar un blog puede sonar bastante fácil, no es simplemente publicar cualquier cosa que se te venga a la mente, más si es un blog con un fin informativo. Se necesita tiempo y muchas veces este no alcanza para realizar todas las tareas del día, por lo cual este espacio virtual en particular, un trabajo que esta humilde editora quiso darse por voluntad propia, lamentablemente muchas veces se ve afectado en la regularidad con la que publica información. Pero esta nueva entrada no tiene el fin de deshacernos dando excusas del porqué no publicamos o porqué dejamos prácticamente abandonado el sitio durante un tan largo periodo, sino que por el contrario, queremos dar el vamos nuevamente, y comenzar a publicar con el flujo el cual se tenía anterior a la largas vacaciones que se dió este sitio.

Así es, volvemos con todo este 2011, y aunque un poco atrasados ya, aún así espero que cada nueva publicación que aquí se realice sirva para todos aquellos que se interesan por el área del Diseño gráfico, tema principal en el que se desarrolla cada post que aquí, y desde ahora en adelante podrán ver, es que iniciamos con las pilas recargadas este año en Matices gráficos, año que ha comenzado con el pie izquierdo al parecer por la gran cantidad de tragedias que hemos escuchado y visto en los noticieros, pero en el cual estamos dispuestos a continuar aportando con un granito de arena, quizás no derechamente salvando al mundo, pero si haciendo más fácil la vida a aquellos que deben luchar cada día dentro del mundo del diseño, lo cual tampoco es nada sencillo.

Sin nada más que decir me despido por el momento hasta la próxima publicación, que no se preocupen, no pasará mucho tiempo más hasta que encuentren novedades, así que estén atentos dentro de estos días porque volveremos con muchos más vídeos, cortometrajes, recursos y consejos para cada diseñador o fan del diseño que esté en búsqueda de algo interesante para así incentivar sus neuronas creativas.

Saludos.|

Nuevo logotipo Gobierno de Chile

2010-11-25T19:28:00.000-03:00

Ya todos se habrán enterado y habrán visto el nuevo logotipo, y esta vez definitivo, que acompañará al actual gobierno de Chile, y si hasta hace algunos meses atrás la critica no paraba por aquel logotipo que dijeron los señores del gobierno era tan solo transitoria, pues hoy, ya luego de haber visto la propuesta definitiva, la critica si que ronda por todos lados, y es que en las redes sociales están apenas comenzando los comentarios y chistes respecto a la nueva identidad visual del país. Y si aún no sabes de qué estamos hablando ni has visto el nuevo logotipo, a continuación te lo presentamos.

Bonito, ¿no? Seguramente ahora muchos se preguntarán en que estaban pensando al hacer este nuevo logotipo en el que utilizaron la no despreciable ni menor suma de 10 millones de pesos, y que claro, intentan salvar algo diciendo que hasta tipografía nueva han creado para que sea más único y Chileno, pero ni eso convence a muchos diseñadores y no diseñadores. Porque sí, hay mucha gente que no tiene idea de diseño ni tan siquiera de que existe un carrera y muchas personas que estudian eso, pero si tienen sentido de la estética.

Según lo que se requiere para un buen logotipo en primer lugar está el lado práctico, donde el logotipo debe ser apropiado para poder utilizarse en todo tipo de medios, ya sea en alguna pantalla o en algún tipo de impreso, incluso uniformes escolares, y al parecer el logotipo del gobierno no estaría aprobando este primer requisito ya que en tamaños de una escala mínima podría perderse lectura y detalles del logotipo.

Además cada nueva identidad corporativa debe ser única, por esto se emplea tiempo hoja, lápiz y mucho cerebro para crear un logotipo, ya que serviría de nada si es que simplemente copiáramos algún otro haciendo mínimos cambios que la gente inconscientemente notará. Al parecer y según algunos también en esto ha fallado el logotipo de nuestro actual gobierno, ya que dicen es muy similar al del Gobierno Español. ¿Si en realidad existe tal semejanza o no? lo dejamos al criterio de cada uno.

Una salvedad que se ha hecho hasta el momento es haber dejado de lado el color celeste que estaba presente en el anterior logotipo, detalle que muchos agradecen, ya que un logotipo también debe tener una buena paleta de colores, y aquel color celeste debía suprimirse con urgencia de la identidad visual del gobierno.

Por último un logotipo debe ser sustentable, ya que no será algo de solamente alguna semanas o meses, ni siquiera hay que pensar en que un logotipo debería durar un año o dos. Las identidades corporativas no son como las modas que duran tan solo un par de años y luego son un mal recuerdo, sino que deben durar y perdurar a través del tiempo, una buena identidad corporativa, un buen logotipo, no debería tener cambios, debería simplemente presentarse al público y quedar por años mientras todos los demás pasan. ¿Sustentable o no? habrá que ver que sucede con el logotipo de nuestro actual gobierno.

Algo de lo que digo el gobierno al presentar esta nueva identidad fue lo siguiente.

“La identidad visual definitiva interpreta de manera moderna los códigos propios de nuestro país. Se trata de una imagen sobria, elegante y de diseño contemporáneo, particularmente en el tratamiento de los espacios.
Su simetría no solo emula la verticalidad propia de nuestra geografía, sino que también le otorga dinamismo y la convierte en una imagen versátil, capaz de ser aplicada sin inconvenientes en todos sus formatos y de acoger las necesidades de las distintas reparticiones o servicios públicos.
La imagen institucional respeta las tradiciones republicanas y a la vez abraza a la modernidad”

Si todavía te estás preguntando que estaban pensando los creadores de este logotipo les dejamos un vídeo que ~~robamos~~ extrajimos desde el blog de editando.cl donde el diseñador a cargo de asesorar al gobierno en este proceso José Manuel Allard explica el porqué de sus decisiones, y quizás luego de esto se entienda mejor finalmente que fue lo que sucedió

¿Ahora se entiende un poco más, no? pues la verdad a mi no termina de convencerme, pero habrá que ver y esperar si finalmente hay aceptación por parte de la gente y resignación por parte de la mayoría.

ARD/ZDF La historia de la humanidad en 60 segundos

2010-11-19T18:05:00.000-03:00

Quizás ya en más de alguna ocasión uno que otro profesor te haya pedido hacer un trabajo resumiendo la historia de la humanidad, haciendo una línea del tiempo o algo por el estilo, pero, ¿que harías si llegara cierto canal de televisión pidiendo que resumieras toda la historia de la humanidad en un vídeo de 60 segundos? complicado, ¿no?

Pues esto fue exactamente lo que le sucedió a Martin Allais, a quien la cadena de televisión Alemana ARD/ZDF le encargó que hiciera una animación de 60 segundos donde estuviera representada toda la historia de la humanidad, difícil tarea que cumplió y resolvió de muy buena forma. ¿Cómo lo hizo? seguramente te estarás preguntando, pues aquí te dejamos el resultado.

Las 10 reglas básicas para juzgar cualquier diseño

2010-11-15T13:30:00.002-03:00

En el diario vivir se nos hace muy simple juzgar todo lo que sucede a nuestro al rededor, somos capaces de emitir juicio con bastante agilidad, y esto no deja ajeno a nuestro mundo de diseño, ya que en más de una ocasión decimos sin pensar dos veces "que feo ese afiche" pero no nos detenemos a pensar un poco que habrá querido decir el diseñador con aquella selección de elementos, y es que la mayor parte del tiempo los diseños no son dirigidos para todo el mundo sino para cierto público objetivo en el que puede que no siempre estemos incluidos. Pero sea para nosotros o no el diseño, como profesionales de esta área siempre debemos ser objetivos a la hora de juzgar algún trabajo de uno de nuestros colegas, aquí lo bien o mal que nos podamos llevar con alguien no tiene nada que ver, reconocer un buen diseño es nuestro deber, y para poder juzgar de la forma correcta es que traemos a ustedes 10 reglas que les ayudarán a juzgar cualquier pieza de diseño.

Regla de juicio Nº 1

No existe lo lindo y lo feo. El trabajo de un diseñador estratégico no consiste en generar siempre cosas bellas, impactantes o grandilocuentes sino que debe centrarse SIEMPRE en el cumplimiento de los objetivos comerciales del cliente. El comunicador visual es sólo un instrumento, un medio que utiliza la racionalidad objetiva para alcanzar la subjetividad emocional del target. Ni más, ni menos.

Regla de juicio Nº 2

No se debe anular la historia subyacente de un diseño. A la hora de emitir un juicio sobre una pieza debemos conocer cuales son sus antecedentes, eso nos permitirá comprender la evolución de un lanzamiento y entender la estética lograda. Innovar no significa necesariamente “ignorar” y es por ello que existen en el mercado muchos desarrollos que, a pesar de no colocarse en la cima de la innovación, resultan ser un excelente ejemplo de respeto por la trayectoria de una marca y por el sentimiento de los consumidores hacia ella.

Regla de juicio Nº 3

No se pueden ignorar los objetivos buscados. Existe una equívoca tendencia hacia la valoración superficial de los proyectos de diseño, y esa relatividad surge como consecuencia de ignorar la raíz que origina un determinado layout. ¿Qué se buscó al rediseñar un packaging? ¿Cuál fue el motivo que impulsó un cambio radical? ¿La marca necesitaba volver a sus orígenes? ¿Existía un problema de identificación en el punto de venta que obligó a alterar la estructura compositiva?

La sobrevaloración de las tendencias proyectuales globales y las comparaciones forzadas entre categorías, en ocasiones incompatibles, resultan ser algunos de los vicios que subyacen en muchas argumentaciones profesionales que, lamentablemente, llegan a destruir una pieza eficaz, sólo por no alinearse al capricho general.

Regla de juicio Nº 4

Siempre considerar las costumbres y culturas en las que el diseño debe interactuar. Y es que ningún recurso estético debe aplicarse al azar, el sentido de los colores, de las formas, de las palabras varian de un continente a otro, de un pais a otro, de una povincia a otra y hasta…de una familia a otra. Acción y Reacción debe ser el lema. El diseño estratégico tiene que estar sometido a las leyes más estrictas de la oferta y la demanda y para ello resulta básico comprender cual es esa “demanda”. No es para menos, los consumidores son portadores de una gran cantidad de sentimientos, emociones, y valoraciones que se han hecho carne a través de mensajes concientes o inconcientes provenientes de sus padres y de los padres de sus padres. Este bagaje cultural determinará si la propuesta proyectual será admitida o rechazada y poco pueden hacer los críticos para escaparse de esta ley básica. Un diseñador debe hablar con la boca del target, su razón básica consistirá en tomar el mensaje del cliente y traducirlo a un lenguaje pertinente, capaz de llegar de una manera focalizada, de generar un diálogo emocional sólido, específico, duradero pero, por sobre todo, auténtico.

Regla de juicio Nº 5

Conocer las limitantes técnicas y legislaciones vigentes. A la hora de hablar de un diseño se deberá tomar en cuenta los requerimientos de implementación que la categoría, las leyes de un país o las características físicas del producto exigen. Factores como los sistemas de impresión, los tipos de materiales sobre los que puede ser aplicado un arte (y con ello aparecen temas fundamentales como absorción de tinta por parte del soporte, posibilidades de nitidez y brillo, toxicidad del material, etc), el nivel de desarrollo tecnológico local, la capacitación de las personas involucradas a lo largo del proceso, el cuidado en la supervisión, el adecuado trato en la posterior distribución, etc. son razones más que suficientes para generar, en las distintas estéticas, una desigualdad cualitativa. No es lo mismo crear una etiqueta de vino que un packaging para goma de mascar. No es lo mismo imprimir en offset sobre un papel extra blanco de alta calidad, que hacerlo en flexografía a 4 colores, sobre polietileno.

Regla de juicio Nº 6

Las eventualidades contextuales y las reacciones estratégicas mandan. Las grandes empresas están siempre alerta a los movimientos del mercado. No todos los desarrollos tienen un proceso ordenado. Cuando un competidor amenaza con el lanzamiento de un producto innovador que atacará directamente la categoría, los equipos de marketing reaccionan rápidamente y buscan enfrentar la novedad con diferentes recursos, entre los que se encuentran los diseños de packaging. En este contexto de acción y vértigo, las prioridades se modifican, los factores estéticos resultan más funcionales que nunca y los layouts se transforman en portavoces de la estrategia defensiva. Al analizar un diseño es importante considerar esta situación. ¿Fue rápido? ¿Fue efectivo?… ¡Fue excelente!

Regla de juicio Nº 7

Considerar qué cantidad de fondos se pudieron destinar al servicio de la idea. La carencia de dinero genera una interesante dualidad: en algunos casos se convierte en una de las principales causas de degradación de un diseño, y en otros contribuye al surgimiento de soluciones creativas, donde la carencia de recursos se transforma en el principal guiño del layout. Ahora bien, aunque es verdad que existen diseñadores que han sabido (o han podido) explotar la falta de fondos, eso no ocurre en el común de los casos. No tiene que ver necesariamente con la incapacidad, sino con la influencia de muchos factores externos, entre los que se podría enunciar el temor del cliente a incursionar en ideas rupturistas, la imposibilidad de implementar ideas innovadoras en grandes tirajes, la necesidad de ser directos para minimizar el riesgo de error en la decodificación del mensaje, etc.

Al juzgar, entonces, se debería ser benigno y valorar el gran esfuerzo que deben hacer algunos diseñadores para arribar a soluciones dignas en esas condiciones tan adversas.

Regla de juicio Nº 8

Evaluar el diseño desde los propios códigos de la categoría. No se puede pretender que un café luzca como un perfume o que una caja de cereal se vea como un jabón en polvo. Cada rubro ha establecido, con el correr del tiempo, un lenguaje propio que los consumidores interpretan rápidamente, y les ayuda a detectar de manera inmediata un producto en el punto de venta. Cuando se juzga un arte resulta fundamental enmarcarlo dentro de estas características. De ese modo, se entenderá mucho mejor el por qué de los estilos tipográficos, las imágenes utilizadas y hasta la forma misma del contenedor.

Regla de juicio Nº 9

Considerar el cumplimiento de los objetivos comerciales como parámetro de éxito. ¿Es correcto afirmar que un packaging exitoso está mal diseñado? ¿Podemos argumentar que un layout es inadecuado simplemente porque la convención dicta que lo lindo es sinónimo de creatividad? No. Si bien es indudable que la buena estética hace más efectivo un mensaje, eso no garantiza el logro comercial y mucho menos, llegar al corazón de los consumidores. Un packaging estratégico no es un elemento decorativo, no hablamos de trofeos con los que podemos presumir alegando lo hermoso que luce frente a los demás. Existen productos de estéticas cuestionables que se mantienen inalterables en el tiempo y, aún así, la gente los ama. Otros han retrocedido en sus códigos buscando eliminar su imagen de modernidad extrema por darse cuenta de que esa estrategia lo alejó de su target. Todos los puntos detallados en este artículo dan prueba de que la crítica sobre una pieza debe ser mucho más profunda e indisoluble de sus condicionamientos y, por sobre todo, de que los recursos deben apuntar fundamentalmente a la venta y desde ese ángulo, establecer lo que realmente es conveniente.

Regla de juicio Nº 10

Ver más allá y comprender que el diseño analizado es el comienzo de algo mayor. Por último, es fundamental no quedarse con la primera impresión. Al observar una pieza debe entenderse que el packaging es la punta de lanza de múltiples mensajes y acciones posteriores. Un diseño correcto es aquel que ofrece elementos conceptuales y estéticos, capaces de sostener y nutrir la estrategia comercial por venir. Para evaluar un arte a futuro, hay que comprender que existen dos puntos básicos que requieren ser contemplados: por un lado lo funcional, es decir, la capacidad que ofrecerá el layout para expandirse, abrirse a nuevas líneas y generar a través de posibles derivados una imagen de marca sólida y consistente. Por el otro, lo emocional, dicho de otro modo, cómo los elementos compositivos podrán despertar en su target un lazo afectivo sólido y duradero con el correr del tiempo.

Stop motion: A short love story

2010-11-11T19:18:00.000-03:00

Ya en ocasiones anteriores les hemos mostrado diversos stop motion, técnica de animación que consiste en aparentar el movimiento de objetos estáticos por medio de una serie de imágenes fijas sucesivas, por lo cual se le conoce también como parada de imagen o, cuadro a cuadro.

Siguiendo la línea del stop motion en donde la primera etapa es el "hecho a mano" y luego se suma la tecnología y toda la parte digital, dejamos con ustedes un muy simple, según parece a nuestros ojos como espectadores, y hermoso stop motion titulado "A short love story", donde no hay palabras sino solo el acompañamiento de la música que nos introduce en la sencilla y hermosa historia que nos muestran en los 3 minutos 11 que dura esta obra creada por Carlos Lascano, ilustrador, fotógrafo, escritor y director que reside en Madrid, España, y quien ganó más de 21 premios internacionales con otro de sus trabajos en stop motion, incluyendo Mejor película de animación en el Festival de cortos de LA, Chicago, pero ese trabajo lo dejaremos para otra ocasión, ahora vean y disfruten de este stop motion.

"Tú diseño" Primer concurso de poleras

2010-11-09T17:27:00.000-03:00

“Esperamos mucha creatividad, interés y ganas de crear en conjunto un producto 100% chileno que destaque sobre los productos internacionales. Hacemos el llamado a formar parte de esta gran comunidad, visitar la página y votar por los diseños.” De esta forma es como llega la invitación desde el sitio de tudiseno.cl para participar en el primer concurso de creación de diseños para poleras. Mas detalles a continuación.

"Tu diseño" es un sitio dedicado a artistas y diseñadores que gustan de dejar toda su creatividad plasmada en el diseño de poleras, y ahora desean expandir esta oportunidad a otros diseñadores y artistas, motivo por el cual nace el primer concurso de poleras "Tu diseño", mediante el cual se busca generar una instancia para el reconocimiento de la creatividad y trabajo de jóvenes Chilenos, e incrementar los diseños disponibles de carácter nacional, que está muy dejado de lado.

Seguramente si te interesa todo esto del diseño de poleras, o te gusta apoyar el diseño Chileno ya te estarás preguntando cómo participar. Muy simple, todos los participantes deberán enviar sus datos a concurso@tudiseno.cl con una colección de mínimo 1 diseño y máximo 3 propuestas diferentes, donde la participación es individual y obviamente los diseños deberán ser únicos e inéditos.

De las propuesta enviadas solo 6 resultarán ganadoras, y la selección será realizada de dos formas, por votación pública de la página tudiseno.cl mediante la integración de la aplicación "Me gusta" al igual que en facebook, y además la integración de un jurado quien premiará a otros tres diseños.

Los ganadores serán dados a conocer en la página web del concurso y la página de facebook oficial. Los premios van desde una suscripción por un año a la revista JOIA hasta un iPad de 1GB. Así que no tienes más que dejar que tu creatividad fluya y entrar al concurso.

Fechas:

- Envío de propuestas: Hasta el Viernes 10 de Diciembre del 2010

- Inicio del sistema de Votación: Desde Miercoles 1 de Diciembre hasta viernes 10 de Diciembre

- Publicación resultados finales: Lunes 13 de Diciembre

Para mayor información entra a tudiseno.cl

Para dudas o consultas contacta a través del e-mail contacto@tudiseno.cl

Descarga las bases del concurso Aquí

La vida antes de photoshop

2010-11-08T22:08:00.000-03:00

Photoshop es uno de los programas que todo diseñador gráfico maneja y que debe manejar de forma que cuando le hagan algún pedido complicado no le cueste tanto trabajo hacerlo. Este programa de Adobe cada vez se moderniza más y nos hace el trabajo un poco más fácil y rápido, pero algunas vez se han preguntado ¿como sería el retoque fotográfico antes de photoshop? pues bien, si no te lo has preguntado ahora tienes la oportunidad de ver como era el proceso, así que vea y siéntase afortunado por tener el no mal precio PS con nosotros como aliado.

Concurso "Estámpate la bolsa"

2010-11-06T16:13:00.001-03:00

Biblioteca viva en conjunto a Plop! galería hacen la convocatoria para participar en "Estámpate la bolsa" concurso que tiene como objetivo escoger los tres diseños más creativos para conformar la colección 2010-2011 de bolsas reutilizables de Biblioteca viva.

Así que si te agrada todo el tema de ilustración, estampado o eres de quienes apoyan el reciclaje y gustan de cuidar el planeta, este concurso está pensado en ti, así que no puedes dejar de leer esta entrada. Detalles de las bases y fechas para participar del concurso te dejamos a continuación.

Podrán participar ilustradores y diseñadores, ya sean profesionales o estudiantes, nacionales o extranjeros residentes en Chile. Cada participante podrá enviar un máximo de tres diseños originales, considerando el público objetivo que concurre normalmente a Biblioteca viva, ya sean niños, jóvenes o adultos, donde dentro de esto la temática será libre.

Se fabricarán 2.000 bolsas en total, divididas en 3 diseños. Estos se venderán en las 10 sedes de Biblioteca viva y en la tienda Plop! galería hasta agotar sotck.

Los diseños serán recibidos hasta las 18:00 Hrs, del día jueves 02 de Diciembre, y deberán ser enviados al e-mail concurso@bibliotecaviva.cl en formato JPEG, tamaño carta a 300dpi, además deberán indicarse los datos completos del participante: Nombre completo, número de identificación (RUT u otro) dirección, e-mail y teléfono.

El jurado encargado de premiar los trabajos estará integrado por:

- Patricia Aguilera, Diseñadora e ilustradora

- Vero Rodriguez, Diseñadora e ilustradora

- Adolfo Holloway, Diseñor e ilustrador

Las etapas del proceso serán:

- Publicación de bases: Jueves 04 de noviembre

- Recepción de obras: Jueves 02 de Diciembre hasta las 18:00 hrs.

- Pre-selección técnica: viernes 03 de Diciembre

- Revisión de trabajos por parte del jurado y selección de ganadores: Martes 07 de Diciembre

- Publicación de ganadores a través de bibliotecaviva.cl y plopgaleria.com Jueves 09 de Diciembre

Los tres ganadores serán premiados con:

- Diseño oficial en colección 2010-2011 de Bolsas Reutilizables Biblioteca Viva.

- Nombre del diseñador impreso en cada una las Bolsas.

- 1 set de productos PLOP! Galería, compuesto por: 1 Monoplop!, 1 set de 3 chapitas de autor, 1 libreta, 1 calendario de la exposición Mal de Ojo y 1 set de postales de diversos artistas de la galería.

Descarga bases del concurso ACÁ

Para mayor información pueden comunicarse al e-mail info@bibliotecaviva.cl

Vía El diario diseño

No mezclar agua y aceite

2010-11-02T17:30:00.000-03:00

Hoy traemos a ustedes una muestra del trabajo que ha realizado Anthony Burrill, diseñador multidisciplinario que en esta ocasión y por medio de su trabajo pretende crear conciencia en las personas respecto al desastre ocurrido en las costas del Golfo de México debido al derrame de petróleo en Junio de este año, y para esto ha creado una serie de 200 carteles utilizando la impresión serigráfica y el mismo petroleo recogido de las costas de las playas de Louisina.

Éste proyecto benéfico lo realiza junto a la agencia Happiness Brussels y todo lo que sea recaudado irá destinado a CRCL una organización dedicada a recuperar las costas del golfo de México.

A continuación dejamos un vídeo en el que Anthony Burril cuenta un poco sobre la realización de sus carteles y también podemos ver el proceso serigráfico por medio del cual realizó la reproducción de estos. Disfrútenlo.

I have PSD. Nuestra vida con photoshop

2010-10-27T15:32:00.001-03:00

"I have PSD" en un cortometraje creado por la agencia de Hyperakt, y en el cual el protagonista principal es Photoshop, también conocido como PSD, y su gran variedad de herramientas con la cuales los diseñadores trabajamos y "arreglamos" un poquito el mundo virtual que creamos para nuestros trabajos.

Lo interesante de este vídeo, es como fueron aprovechados los recursos que nos entrega photoshop para mostrar como sería nuestra vida si tuviésemos la posibilidad de contar con aquellas milagrosas herramientas, algunas que creo a muchos les gustaría ocupar como "barita mágica" o porqué no, el comando ctrl + Z para borrar alguna que otra cosa desagradable de nuestras vidas, y aunque si bien esto no pasará, es bastante divertido pensar en como serían nuestras vidas con una ayuda como PS.

Ahora ya sin más palabrería, simplemente vean y disfruten este vídeo.

10 consejos para realizar un power point efectivo

2010-10-25T16:48:00.000-03:00

Como diseñadores gráficos siempre estamos pendientes de afiches, packagings, revistas y todo lo que conlleve una presentación visual, pero muchas veces descuidamos nuestras presentaciones en cosas que creemos no tienen mayor importancia dentro de nuestra carrera, y así es como muchas veces sucede con nuestro apoyo visual a la hora de hacer alguna presentación.

Las presentaciones que realizamos en el ya conocido programa power point suelen ser una apoyo a la hora de realizar alguna exposición, pero que tan exitosos seamos en nuestra presentación también dependerá en cierto modo de cuan cuidadosos seamos a la hora de realizar nuestro PPT (power point). Y es que muchas veces solo nos dedicamos a poner toda la información de la cual hablaremos sin pensar si quiera en que este será nuestro apoyo visual, y que por lo tanto en vez de ser un verdadero testamento el cual nadie entenderá ni se dará la tarea de entenderlo, debería ayudarnos a explicar de mejor forma lo que estamos exponiendo.

Es por esto, y porque muchas veces siendo diseñadores descuidamos estos "detalles", cosa que no debería ser pero que ocurre muy a menudo, que hoy dejamos en este pequeño espacio virtual un decálogo que te ayudará a que tus presentaciones en power point sean más efectivas, y que de esa forma sean un buen apoyo visual y no una vergüenza.

1-. Utiliza powerpoint como un apoyo a tu presentación. Nunca el powerpoint debe sustituir a la persona en una presentación, su función es la de reforzar la palabra no la de anularla, con lo que el powerpoint deberá contener imágenes y contenido para reforzar el discurso y no contenerlo en su totalidad.

2-. No es necesario utilizar todos los efectos en un solo powerpoint. Aún hoy este es un error que muchas gente comete, y es que Powerpoint tiene muchísimos efectos y transiciones, pero eso no quiere decir que tengamos que utilizarlos todos en una misma presentación. Una presentación con las mismas transiciones para los mismos elementos dará coherencia al conjunto y hará que lo mas importante de dicha presentación sea el contenido. Mi recomendación es no utilizar más de 2 efectos ni más de 2 transiciones (excepto casos muy concretos).

3-. Unidad tipográfica. Igual que con los efectos y transiciones, a la hora de utilizar tipografías es importante guardar una coherencia tanto en cuanto a la fuente utilizada como en cuanto a tamaños y estilos. Para entendernos, los titulares siempre a un mismo tamaño, el cuerpo de texto igualmente y sobretodo, utilizar tipografías que sean de fácil lectura.

4-. Estructuración. Es mucho mejor perder un rato estructurando el contenido de la presentación de manera lógica antes de empezar a realizar el powerpoint. Siempre debemos intentar marcar un recorrido dentro de la presentación que nos tiene que llevar de lo general a lo concreto (por norma general) o de un punto a otro con total lógica.

5-. Esquematización. Resumir el contenido de la presentación hasta llegar a lo puramente esencial reforzará el interés en el mismo, mientras que una saturación de contenido desviará la atención en el mejor de los casos.

Hay quien llega a decir que utilizar más de 5 palabras por linea y más de 5 lineas por diapositiva es contraproducente.

6-. Los espacios blancos. Las pantallas no deben ser rellenadas hasta la saciedad, las pantallas deben “respirar”, para así de esa manera, concentrar la atención en el contenido importante sin agobiar al destinatario.

7-. Utilización de gráficos. Un gráfico muchas veces puede contener mucha más información que un texto, a la vez que visualmente resultara más atractivo para el destinatario, pero no olvidemos que la presentación debe ser realizada por una persona y no por un powerpoint (punto 1), con lo que intentaremos reducir las cifras en los gráficos al mínimo, por dos razones.

- Demasiada información restaría importancia a la presentación y saturaría a los destinatarios.

- La masificación de cifras las hará ininteligibles.

Aparte de eso, debemos intentar utilizar gráficos e imágenes propias, la utilización de imágenes de la librería de powerpoint nos dará como resultado una presentación muy poco personal y aún menos profesional.

8-. Utilización de descansos. Si la presentación es larga y algún punto necesita de una explicación más extensa, aprovecha para insertar un apantalla neutra que servirá para devolver el 100% del protagonismo al presentador a la vez que descansara visualmente al destinatario.

9-. Utilización de contenido multimedia. Igual que en el punto 8, la utilización de un vídeo demostrativo o cualquier otro contenido multimedia puede ayudar a desengrasar la presentación a la vez que nos devolverá la atención de quien en ese momento la haya perdido.

Y por último pero no por esto no menos importarte, Gestión del tiempo. Es un buen recurso el ir ofreciendo la información paso a paso, para retener la atención del destinatario, pero sin abusar de este recurso, ya que puede hacer que la presentación resulte lenta y sin ritmo.

Esquemas de iluminación fotográfica

2010-10-20T16:57:00.000-03:00

Quienes ya tenemos las bases de la fotografía de estudio, bien sabemos la importancia de realizar un esquema de iluminación antes de comenzar con la sesión fotográfica. Y es que la iluminación es fundamental al momento de tomar un buena fotografía, y llevándolo al lado del diseño, podríamos decir que es similar al boceto que se hace antes de siquiera pensar en sentarse a trabajar en el computador, cosa que no siempre hacemos, pero que bien sabemos es un paso importante que no deberíamos saltarnos, y así mismo con el esquema fotográfico, ya que sin él nuestra fotografía podría resultar un completo desastre.

Dependiendo de el tipo de iluminación que utilicemos podremos lograr diferentes efectos, causar sensaciones distintas en quien la vea, y lograr una propuesta divertida e interesante, que de otra forma, sin la iluminación apropiada podría ser una simple imagen aburrida que nadie se detendría a ver.

Para que veas lo importante que es la iluminación y como cumple su papel, en el cual nos ayuda a llegar a un gran resultado, te dejamos algunos ejemplos donde se muestra cual fue el esquema de iluminación que utilizaron, y el resultado que lograron obtener gracias al buen uso de la luz.

Los 5 ángulos de toma para tus fotografías

2010-10-18T19:51:00.000-03:00

Anteriormente hemos dedicado entradas a la fotografía en las que hemos hablado sobre los malos hábitos al momento de sacar fotografías y en las cuales también te hemos dado algunos concejos para mejorar tus fotografías de retrato, pero nunca habíamos dedicado una entrada a los ángulos de toma que pueden adoptarse al momento de sacar fotografías, así que decidimos ya era tiempo dedicar un artículo en el Blog para que luego no se pueda decir que no hablamos de algo tan simple, básico y bonito como esto.

Y es que resulta que muchas veces somos bastante cómodos al momento de tomar fotografías, sobretodo cuando vamos de paso por algún lugar en el que estamos por el día y tratamos simplemente de tener, al finalizar el día, la mayor cantidad de fotografías posibles, pero aunque fuere ese el caso, siempre es mejor detenerse un poco a pensar como podríamos tener una fotografía más interesante a que simplemente sacar la fotografía a lo loco y continuar el camino hasta el siguiente lugar que nos parezca interesante para sacar más fotografías sin sentido y aburridas.

¿La forma simple y rápida de mejorar nuestras fotografías de modo considerable? muy simple, cambiar el ángulo de toma es una de las mejores formas de transformar lo que podría ser una fotografía monótona, aburrida y totalmente común, en una fotografía que realmente merezca un lugar en nuestros álbumes fotográficos y que quizás, porqué no, que se merezca un lugar en la pared de nuestra casa.

Cambiar el ángulo de toma es cambiar el modo en el que veremos la fotografía. Poder mostrar la realidad desde un distinto punto de vista hace que esta sea más interesante, y captar la atención de quien sea que la observe no será complejo si muestras una foto interesante. Manejar los ángulos de toma que podemos lograr no es algo complejo, y para que tus fotografías no sean las típicas que tiene todo el mundo es que te contamos de que trata cada ángulo a continuación.

1-. Ángulo normal. Como su nombre indica, éste es el ángulo habitual con el que fotografiamos y se caracteriza por establecer una línea entre cámara y objeto fotografiado paralela al suelo. Proporciona una sensación de estabilidad y tranquilidad, precisamente derivada de originarse a partir de una posición con la que solemos no sólo fotografiar, sino también observar el mundo. Sin duda, es el tipo de ángulo más empleado y, por ello, cuando lo que vas a fotografiar está más abajo, en muchas ocasiones te recomendamos que te agaches para lograr éste ángulo.

2-. Ángulo picado. Este ángulo se produce cuando la cámara se sitúa en un plano superior al objeto fotografiado. Precisamente esta posición superior también conlleva una situación de inferioridad, vulnerabilidad o debilidad del objeto dentro de la fotografía. Es habitual en fotografía de niños (como consecuencia de su mayor fragilidad y debilidad), pequeños animales, flores, objetos de pequeñas dimensiones...

3-. Ángulo cenital o picado extremo. Cuando la situación de la cámara con respecto al objeto a fotografiar es de extrema superioridad, hasta el punto de situarse en la perpendicular al suelo por encima del sujeto fotografiado, entonces hablamos de ángulo cenital. Se trata un ángulo que incrementa aún más, si cabe, la sensación de inferioridad. Por otro lado, si el picado centra mucho la atención en el objeto, con el cenital abrimos un poco más el campo y mostramos también el contexto que lo rodea. Aunque no es muy habitual, puede dotar a tus fotografías de un punto de vista muy particular de la realidad.

4-. Ángulo contrapicado. Si el ángulo picado se consigue situando la cámara por encima del sujeto, el contrapicado lo logramos situando la cámara en una posición inferior al objeto a fotografiar. Con este ángulo dotamos al objeto fotografiado de mayor importancia, superioridad, magestuosidad y, sobre todo, de una posición dominante frente al observador. Es un ángulo de toma muy utilizado en fotografía de edificios, pues dota a éstos de mayor grandeza. Aunque también puede ser un recurso para mostrar como superiores a sujetos que se aprecian como inferiores en la realidad, por ejemplo, los niños, las mascotas... Si a este ángulo además le sumas el uso de una distancia focal corta, además conseguirás incrementar más, si cabe, la sensación de superioridad.

5-. Ángulo nadir o contrapicado extremo. Si la situación de inferioridad de la cámara frente al objeto a fotografiar la llevas al extremo, consigues el denominado ángulo nadir. La cámara se sitúa prácticamente en la perpendicular que une objeto fotografiado y cielo. Con este ángulo se incrementan al máximo las sensaciones del contrapicado, poniendo al que observa la fotografía en la piel de una "hormiga" para la que todo es enorme y "amenazador". Su uso se reserva casi exclusivamente para fotografía de edificios, ya que las líneas de éstos dotan de una gran profundidad a las tomas.

Abierta convocatoria para Rayo magazine 03

2010-10-17T21:30:00.000-03:00

Así como lo ven, La revista Rayo en su tercera versión abre la convocatoria para que todo aquel que quiera publicar sus trabajos en este medio lo haga. ¿que debes hacer? muy simple, solo selecciona de entre los trabajos que más te gusten (2 a 5 piezas) y envía el link de tu espacio virtual donde están publicados (flickr, blog, etc) a rayomagazine@gmail.com. Se recibirá todo tipo de obra visual que pueda ser apreciada digitalmente, ya sea ilustración, fotografía, pintura, etc. Los seleccionados serán anunciados los primeros días de Noviembre.

- No existen condiciones de formatos pero se ruega por favor no superar los 5mb por mail.

Toda la información puedes encontrarla en rayomagazine.com

vía: El diario diseño

Convocatoria logotipo Carfree 2011

2010-10-17T17:30:00.006-03:00

La world Carfree Network (WCN) es una organización que busca reunir personas y organizaciones que promuevan medios de transporte que sean sustentables y ayuden a reducir el impacto ambiental, social y económico producido por el automovil.

Es así, como cada año la WCN celebra un congreso internacional en diferentes ciudades del mundo, bajo el nombre de "Towards Carfree cities" (traducido, "Hacia ciudades sin autos") del cual te contamos un poco más, al igual que del concurso que han lanzado, a continuación.

Durante años anteriores han sido escogidas ciudades que destacan por sus avances en movilidad sustentable, este año, en su décima edición, y por segunda vez se ha escogido una ciudad Latinoamericana como sede, pero a diferecia de los años anteriores en esta ocasión la ciudad de Guadalajara, México, ha sido la escogida por ser la ciudad con mayor cantidad de automóviles en sus calles diariamente, dejando de lado todo otro tipo de transporte no motorizado.

Al igual que cada año el congreso llevará un subtítulo el cual define la orientación de los temas que se tratarán, y que en esta ocasión será "Ciudad para la gente por la gente" bajada que busca rescatar el sentir de los ciudadanos activos en la construcción de las ciudades en las que anhelan vivir. osea, ciudades más humana, dseñadas para las personas y no los automóviles.

Pero que tiene que ver todo esto con nosotros diseñadores, se estarán preguntando. Les contamos que la WCN está buscando darle una imagen apropiada al congreso por medio de un logotipo (he ahí donde entramos nosotros en todos esto) que represente los valores de la organización y los grupos ciudadanos adscritos a ella. Sustentabilidad, equidad, justicia, igualdad e integración. No olvidando destacar al titulo que acompañará el congreso del 2011 "ciudades para la gente por la gente."

Bases del concurso:

1. Podrán aplicar profesores y alumnos de carreras de diseño o afines de toda América Latina.

2. La aplicación puede ser de manera individual o grupal (máximo 5 integrantes por equipo).

3. Cada concursante o grupo podrá aplicar con un máximo de 3 propuestas.

4. El o los archivos con las propuestas de logotipo deberán entregarse en JPG a 200 DPI’s y en tamaño carta, junto con el formato de inscripción que se podrá descargar en: http://haciagdl2011.blogspot.com/formato_inscripcion.pdf

5. Los archivos deberán de ser enviados a la dirección: imagen.carfree@gmail.com antes del 5 de noviembre del 2010.

6. De los logotipos recibidos se elegirán 10 finalistas. Una vez notificados, los finalistas tendrán 5 días para enviar lo siguiente:

• Archivo en curvas del logotipo elegido, en Ilustrador (.ai) no mayor a CS2

• Archivo en PDF o documento de Word con:
   - Especificaciones de tipografía utilizada en el logotipo
   - Aplicación del logotipo a uno y dos colores
   - Aplicación del logotipo en escala de grises.

Jurado

La mesa del jurado está conformada por cinco integrantes entre académicos en el área de diseño gráfico, industrial y de mobiliario urbano, diseñadores locales y profesionales de la publicidad. Los nombres de los jueces se publicarán en la página haciagdl2011 unos días antes del dictamen.

Dictamen

El dictamen del concurso se llevará a cabo el día 19 de noviembre del 2010 a las 20:00 hrs. Se premiará a un logotipo ganador que representará la imagen del X Congreso "Hacia ciudades sin auto" Guadalajara 2010 así como una selección de finalistas que recibirán un reconocimiento.

Premios

Dado que la convocatoria es para apoyar un evento sin fines de lucro, el premio consiste en un reconocimiento por parte del comité organizador de la World Carfree Network que será entregado durante la celebración del evento en Guadalajara, la entrada al congreso y a todos sus eventos para el individuo o equipo diseñador. A aquellos que no puedan asistir al congreso el reconocimiento se les será enviado de manera electrónica y será publicado en la página oficial.

El logotipo ganador será utilizado en todos los eventos relacionados al X Congreso "Hacia ciudades sin auto" Guadalajara 2010.

Para dudas, preguntas o comentarios escribir a

imagen.carfree@gmail.com

vía: El diario diseño

Coca~Cola Night visuals 2010

2010-10-16T16:30:00.003-03:00

Ya todos sabemos el prestigio que ha llegado a obtener Coca~cola a través de los años, y es que esta marca ya reconocida en todo el mundo no deja detalle alguno de lado, y cada vez nos sorprende más con sus publicidades, las cuales muestran calidad y creatividad en cada nuevo trabajo que vemos, lo que a la vez nos habla del tiempo dedicado y el trabajo minucioso y a conciencia que realizan los creadores de estas publicidades.

Hoy dejamos una muestra de uno de los últimos trabajos publicitarios de esta empresa, y ya sea te guste o no el sabor de la famosa bebida de fantasía, no podrás negar que sus publicidades son de las mejores, y en esta ocasión no es la excepción.

En esta oportunidad el estudio Binalogue ha realizado cuatro motion-graphics para las marcas de Coca~Cola (Coca~Cola, Coca~Cola Zero, Burn y Fanta) que van dirigidos a un publico joven y serán utilizados en los eventos nocturnos que patrocine Coca~Cola. Para esto se han basado en los valores que la marca pretende transmitir: frescura, diversión y vitalidad, acompañados como siempre por su eslogan característico "Destapa la felicidad" y tomando en cuenta el ambiente que se vive en las noches de fiesta es que han llegado a los resultados que podemos ver y disfrutar ahora. Así que vean, disfruten y porqué no, aprendan.

vía Fubiz

Pechakucha, sesión fotográfica

2010-10-13T21:58:00.000-03:00

La primera ocasión en que publicamos algo referente a Pechakucha en este espacio virtual, fue por allá por el mes de Julio, donde los organizadores dedicaban la segunda sesión del año al diseño en todas sus ramas, auspiciados por Santo Tomás junto a El diario Concepción, Minga creativa, agendabiobio.cl y Ciudad color, quienes apoyan la idea de tres diseñadores que sintieron la necesidad de generar una instancia en la ciudad de Concepción para que diversos profesionales puedan mostrar sus trabajos, creando así redes y contactos que puedan ayudar a potenciar las diversas áreas del arte en nuestra ciudad.

Durante el transcurso de este 2010 se han realizado tres sesiones de Pechakucha donde se han presentado más de 30 expositores de distintas profesiones, como ilustradores, diseñadores, arquitectos, entre otros. Y en esta oportunidad le toca su turno a la fotografía, así que si no quieres perderte esta nueva sesión de Pechakucha te invitamos a leer algunos detalles como hora y lugar que entregamos a continuación.

En esta sesión de Pechakucha podrás presenciar a expositores como Maria José Mendoza, Mario Moreno Kraus y Marcelo Moltedo, de quienes podrás saber más visitando la página de Pechakucha, y si no tienes dinero como para andar asistiendo a eventos, pues no te preocupes, que la entrada es liberada previa inscripción confirmando tu asistencia y participación en el evento. Así que no se diga más, solo debes ir y disfrutar de la cuarta sesión de Pechakucha.

Al igual que en las sesiones anteriores de Pechakucha el lugar de la convocatoria es en el Auditorio Santo Tomás [sede Prat esquina Los carrera] este viernes 15 a las 20:00 Hrs.

¡No te lo pierdas!

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schools kill creativity (Las escuelas matan la creatividad)

2010-10-12T21:59:00.001-03:00

En alguna que otra entrada anterior ya hemos hablado sobre la creatividad, esa misma palabra que nos caracteriza a los diseñadores y que la RAE define de manera simple y concisa como la "Facultad de crear", pero hoy hemos decidido abordarla de una forma distinta, y por este motivo traemos una charla TED que habla sobre dos temas importantes: creatividad y educación, y para quienes no estén enterados aún de qué trata todo esto de las charlas TED, pues no os preocupéis que os contamos a continuación todos los detalles.

TED (Tecnología, Entretenimiento, Diseño, del inglés: Technology, Entertainment, Design) es una organización sin ánimos de lucro dedicada a difundir las ideas que "valen la pena", y la cual es mayormente conocida por su conferencia anual (TED conferences) y las charlas (TED talks) que incluyen un amplio espectro de temáticas, como ciencias, política, educación y por su puesto lo que a nosotros nos interesa, el diseño.

La charla que traemos hoy la dicta Ken Robinson, un Inglés autor, conferencista y asesor internacional en materia de educación en las artes de gobierno, sin fines de lucro, organismos de educación y las artes, y quien, en esta charla TED se refiere al talento y como las escuelas matan la creatividad. "La educación ahoga y margina el talento" dice Robinson, quien además afirma que el talento no es cosa de solo unos pocos sino que "Todos tenemos talento. El punto de inflexión es cuando amas aquello que haces". Así que no tienen más que simplemente ver la charla que dura 19:29 min. los cuales te servirán para cambiar aquello que hasta el momento pensabas era creatividad.

Nota. No olviden configurar los subtítulos al español haciendo click sobre "View subtitles" y escogiendo español. Disfrútenlo.

Expoadicción, a la vuelta de la esquina

2010-10-08T18:00:00.004-04:00

Hace algunos meses, en Julio para ser exactos, dedicamos una entrada para difundir una actividad a realizarse en el mes de octubre, 12 y 13 de octubre. Pues ya pasados algunos meses, la fecha se acerca, y podemos decir que Expoadicción ya está a la vuelta de la esquina. En unos cuantos días más, todo diseñador que desee participar de esta instancia, donde el diseño es el tema principal, tiene la posibilidad de hacerlo, porque además de ser un evento que promete, es gratuito, así que no hay excusas para faltar a dicho evento, pero si aún no sabes de qué trata porque te perdiste la primera entrada que dedicamos a la Expoadicción, no te preocupes, que a continuación te contamos todos los detalles.

Expoadicción es una actividad organizada por el Grupo Gou, cuyo fin es generar un espacio para realizar diversas actividades, a través de las cuales se espera poder lograr un conocimiento más acabado del diseño.

Es una actividad pensada tanto para los nuevos que se están sumando al mundo del diseño, y también para los ya más veteranos, por lo mismo es que nadie se puede quedar fuera de esta interesante actividad que viene con todo, la cual incluye charlas, stands y la infaltable y siempre bien preciada feria, en la cual podrás encontrar diversos productos para todos los gustos. La actividad se realizará los días 12 y 13 de octubre en Santo Tomás sede prat, comenzando el día 12 a 12:00 Hrs y terminando el día 13 a las 18:30 Hrs. con música en vivo.

Si quieres saber todo lo que habrá durante estos dos días de diseño para no perderte ninguna de las actividades te dejamos a continuación el detalle de la programación que se seguirá durante ambos días.

Esperamos sea de su agrado, y asistan a esta actividad, la cual, para mi gusto, será una de las mejorcitas de las cuales podremos participar en Concepción, así que a usted, señor lector, le decimos no se puede perder estos dos días de adicción, mientras que nosotros, administradores de este humilde espacio virtual, no podemos dejar de desearle todo el éxito a los chicos del Grupo Gou, y agradecerles por su esfuerzo, en hacer de Concepción y nuestra casa de estudio, un mejor lugar con más instancias de Diseño

Para mayor información visita su Página web
O también puedes visitar su página en Facebook

Corto animado 3D. Alarm

2010-10-07T16:19:00.001-04:00

Como ya se está haciendo costumbre los días jueves, traemos a ustedes algo que no ayude a entretenernos un momento, subir el ánimo para terminar la semana, y por qué no, aprender. Hoy traemos un cortometraje animado en 3D, que además de ser un corto entretenido y con el cual más de uno se identificará, es un buen ejemplo de lo que se puede hacer en 3D. Así que invitamos a que puedan seguir el resto de la entrada para disfrutar de esta animación, cuyo nombre es "Alarm" o traducido al español "Alarma", y del que les contamos un poquito a continuación

La pereza, los despertadores, y el exceso de sueño dan vida a este cortometraje, en el que de una situación tan cotidiana (porque para que vamos a andar con cosas, a todos nos ha pasado y de seguro que más de una vez) han logrado crear este corto, de origen coreano como se darán cuenta por la gráfica del personaje y algún que otro detalle que termina por "delatarlo". Así que vean este corto animado y pasen un buen rato mientras disfrutan los 8:50 min. de duración que los animadores de Mesai nos entregan.

20 consejos para el momento de diseñar [Parte 2]

2010-10-06T18:19:00.000-04:00

Ayer dejamos la primera parte de este artículo basado en el libro elementos del diseño de Timothy Samara, pero si te perdiste la primera parte no te preocupes, que aquí te dejamos el enlace para que lo leas.

Hoy traemos la segunda parte de los 20 consejos para el momento de diseñar, los 10 consejos restantes que todo buen diseñador debería conocer y aplicar al momento de realizar sus trabajos. Porque recordemos que finalmente es tarea nuestra terminar con los desastres visuales que debemos presenciar a diario mientras recorremos las calles de nuestras comunidades, y como diseñadores debemos ser parte de la solución y no del problema, y después de todo, por ahí se dice que los diseñadores gráficos somos una especie de médicos que ponemos un remedio a la fealdad en las cosas, y como todo buen médico debe regirse por ciertas reglas para no matar al paciente durante el tratamiento, pues nosotros también debemos hacerlo para no llevar más personas al oculista por una cosa de ceguera temporal, debido a un mal diseño. Así que ya sin mas preámbulo, lean esta segunda y última parte de los consejos que nos entrega uno de nuestros colegas y que es por lo que valen mucho.

11-. Debes ser universal. Recuerda, tu trabajo no es solo para ti. La individualidad es el dominio del artista, pero lo universal es el dominio del diseñador. Es un gran público, y no solo unos pocos escogidos quienes deben entender el mensaje que tratar de entregar a través de tu diseño. Al momento en que olvidas este sencillo hecho estás poniendo en peligro tu mensaje y la totalidad de tu trabajo.

12-. Comprime y separa. Paul Rand dijo: "sin contraste estás muerto" Con esto quiere decir que para que un diseño no pase de ser algo totalmente insulso y sin vida debemos crear contrastes en la densidad y el ritmo juntando unos elementos y separando otros, jugar un poco con los espacios entre elementos, tamaños, colores y pesos es lo mejor para crear un diseño interesante y lleno de vida.

13-. Distribuye la luz y la oscuridad. Adopta una estrategia tomando como referente el mundo de la fotografía. En un diseño deben haber zonas de luz y oscuridad dispersas en distintos lugares, explosiones de luz y profundas corrientes de oscuridad y constrastes sutiles.

14-. Sé contundente, hazlo a conciencia o no lo hagas. Sitúa material visual con confianza y escoge con decisión su tamaño, disposicióm, distancia respecto al resto del material, etc. La decisión aumenta las probabilidades de que el espectador crea que el mensaje significa lo que dice y no otra cosa. La inseguridad a la hora de diseñar abre paso a todo tipo de malas recepciones por parte del espectador, quien se dará cuenta de que algo está mal, pero no sabrá el qué.

15-. Mide con los ojos, el diseño es visual. Un objeto es lo que parecer ser, así que dale el aspecto que debería tener. Sí quieres que un elemento esté alineado con otro midelo al ojo, si el espectador percibe los objetos alíneados, asumirá que así es, pero no exageres, no por eso vas a tirar todo al azar esperando que el ojo del espectador sea milagroso y ordene las cosas por si solo, después de todo, tu eres quien ordena las cosas y el espectador solo las sigue y asimila ¿no?

16-. No rapiñes las imagenes, créalas. Haz tú mismo aquello que necesites y hazlo lo mejor posible, o en última instancia, paga a alguien para que lo haga. Intenta no depender de lo que ya existe, aunque sea más barato y rápido, tiene más valor lo que tu mismo creas para tus trabajos que utilizar cosas ya hechas por otros.

17-. Ignora las modas. miralo desde el siguiente punto de vista: sí diseñas un proyecto y lo configuras según su significado y no según expectativas ajenas sobre conceptos estilísticos, pueden salir varias cosas buenas de todo ello. Tu diseño tendrá mucho más significado para el público y su utilidad será mucho más prolongada. Además, puede que incluso posea esa cualidad duradera que le permita pasar a los libros de historia. Nadie mira el Panteón de Roma y dice: "Puaj, qué anticuado"

18-. Muévelo, estático es igual de aburrido. Si un diseño es descaradamente plano y no consigue ofrecer una sensación de movimiento o de interacción espacial, el espectador perderá el interés necesario para prestar atención y ver de qué va el mensaje. Un diseño sin movimiento ni contrastes es el peor error que puedes cometer.

19-. Busca en la historia, pero no la repitas. El diseño del pasado tiene su lugar, nos puede servir de inspiración y es importante para que el diseñador considere como ha cambiado la estética y estrategias de comunicación, pero no tiene sentido reproducir ciegamente un estilo en particular simplemente porque nos gustó. Aprende del trabajo de los demás, pero has tú mismo los deberes.

20-. La simetría es el mayor de todos los males. Las composiciones simetricas son por lo general estáticas y ofrecen poco movimiento, además del hecho de que dificultan mucho la integración de material visual asimétrico y limitan la flexibilidad del diseñador a la hora de manipular el contenido.

20 consejos para el momento de diseñar

2010-10-05T19:32:00.001-04:00

Diseñar no es fácil, bien lo sabemos nosotros estudiantes de diseño, pero al parecer todo el resto de mundo que solo ve los resultados finales cree todo lo contrario, y por esto finalmente terminan acudiendo al primo que sabe utilizar paint para que haga el afiche que necesita para promocionar la tocata que hará con sus amigos. Pero si el resto de la gente es descuida, en ocasiones nosotros también lo somos con nuestro propio trabajo, y por hacer algo rápido para cumplir con los plazos terminamos pasando por alto las reglas básicas de todo diseño.

Hoy traemos un extracto del libro elementos del diseño de Timothy Samara, diseñador conocido por sus libros dedicados a la creación web, centrándose en el aspecto de diseño y sus formas. Estos 20 consejos que nos entrega, y que todo buen diseñador debería saber de memoria, son de gran ayuda al momento de enfrentar un encargo, consejos útiles y prácticos, (sobretodo si estás comenzando a desarrollarte en el mundo del diseño) que no debemos olvidar aplicar siempre.

Hoy dejaremos 10 de los 20 consejos que este diseñador amablemente nos entrega en su libro, pero no se preocupen que no los dejaremos tan solo con la mitad, en el próximo artículo publicaremos los siguiente 10 consejos, así que léanlos y sobretodo aplíquenlos a la hora de realizar sus trabajos.

1-. Ten un concepto. Sí, no hay consejo más básico que este, pero siempre hay que repetirlo, y es que si no hay mensaje, ni historia, ni idea, ni narración, ni experiencia útil, no es diseño gráfico. Por muy impresionante que sea a la vista, el objeto sin un mensaje definido es una cáscara, hermosa, pero vacía. Así de sencilla es esta regla.

2-. Hay que comunicar, no decorar. Esta segunda regla viene para apoyar a la primera y más básica. La forma expresa un significado, y una forma que no sea apropiada para un mensaje determinado comunicará mensajes erróneo. No malinterpretes, no queremos decir que no debes experimentar con figuras o detalles, pero debes siempre considerar como todos los elementos puede llegar a mejorar o debilitar tu diseño, si pasan a ser solo una mezcolanza extraña de cosas que no tienen significado alguno y que nadie entenderá, entonces deberías re-pensar tu diseño, porque a eso ya no se puede llamar diseño.

3-. Habla con un único lenguaje visual. Un buen diseño resuelve el lenguaje visual de la pieza, de tal modo que todas sus partes se refuerzan, se acentúan y establecen relación entre sí en cuanto a su forma, peso, situación y concepto. Desde el momento en un elemento queda fuera de lugar o no se le presta la debida atención, se desconecta de los demás y el mensaje se debilita.

4-. Utiliza dos familias tipográficas como máximo. Bueno, o tres. Escoge cada tipo para cada finalidad. Para hacerlo, deberías haber definido esa finalidad. Un cambio en la familia tipográfica suele ser indicador de un cambio en significado o función, así que lo mejor es contenerse en meter tanta tipografía en un solo diseño, eso puede confundir al lector. En el caso de que quieras dar más "estilo" a tu diseño, utiliza una familia tipográfica con diferentes pesos y sus cursivas, añadir una segunda familia de tipos ayudará a dar mayor consistencia a tu diseño, pero no te excedas. Muchas tipos juntas dan una imagen de inseguridad y confunden al lector.

5-. Capta la atención rápidamente. Atrae la atención del espectador a un elemento importante y luego condúcela por los demás. Establecer una jerarquía es importante, pero hay que saber hacerlo de forma lógica, de modo que el material sea accesible y de fácil utilización., la idea es que le simplifiques al espectador la lectura de todo lo que implica tu diseño, que lo entienda y sobretodo lo recuerde posteriormente. si no logras esto, tu diseño no vale la pena si quiera mirarlo.

6-. Escoge los colores con un propósito. No utilices los colores que primero se te ocurran, los colores afectan a la jerarquía visual, a la legibilidad del tipo y a cómo las personas conectan objetos dispares entre sí, así que escogelos con cuidado.

7-. Si puedes hacerlo con menos, adelante. Cuantos más elementos se concentren en un espacio determinado, más difícil es para un espectador medio ver lo que se supone tiene que ver. Además, cualquiera puede juntar un puñado de cosas, agregarle un mensaje insulso y considerarlo una obra de arte compleja, pero cuidado, hay una gran diferencia entre "complicado" y "complejo", lo complejo a menudo es producto de un contexto sencillo.

8-. El espacio negativo es importante, no lo rellenes, más bien créalo. No porque sea la parte en blanco de nuestro espacio de trabajo debemos restarle importancia al momento de pensar como será nuestro diseño. El espacio negativo también es una forma, y tienes que tratarla del mismo modo como tratas las formas positivas, ya sean imágenes o tipos. Cuando no haces nada con él, el espacio negativo se queda inerte y desconectado del material visual que lo rodea. Sí lo llenas, será una presentación opresiva que nadie querrá mirar. Así que considera también el espacio en blanco como parte importante de tu diseño, y no lo dejes de lado.

9-. Trabaja la tipografía como si fuera igual de importante que la imagen. La mayor parte del tiempo la tipografía es dejada de lado y fracasa como parte de los diseños. Aún hoy se conserva eso de "titulo-imagen-texto", pero debemos recordar que la tipografía también es material visual, compuesta de líneas y puntos, formas y texturas, y como tal, su composición necesita relacionarse con todos los demás elementos presentes dentro del diseño.

10-. Los tipos solo son tipos cuando son agradables. No debería hacer falta decir que los tipos que no se pueden leer no tienen función alguna, pero desgraciadamente aún hoy hay que continuar repitiéndolo. Sí, la tipografía puede ser muy expresiva; sí se puede manipular para que produzca interconexiones de elementos estructurales del lenguaje, y sí, la tipografía puede comunicar al público, pero recordemos cual es la finalidad principal de las tipos, no dejemos que se conviertan solamente en un adorno más, sino que encontremos el equilibrio entre una tipografía que sea agradable a la vista y que no estorbe la comunicación con adornos sin sentido.

Manual Adobe Indesign

2010-10-04T18:46:00.001-04:00

Así como en una ocasión, ya hace bastante tiempo atrás, dejamos a disposición de nuestros lectores los manuales en español de Photoshop e Illustrator CS5, que si no leiste esa entrada te dejamos el enlace para que puedas descargarlos, hoy dejaremos el manual de otro de los tantos programillas que utilizamos los diseñadores y que nos ayudan en nuestro trabajo diario. sí, esos mismos programas que muchas veces más nos complican que lo que nos ayudan, ya sea por nuestra ignorancia o esos típicos problemas que surgen con el sofware cuando menos necesitamos que falle, pero para evitar tener problemas por cosa de simplemente no conocer bien el programa es que dejamos hoy el manual en español de Indesign, el programa por excelencia de maquetación que nos ayuda para todo lo que es el trabajo editorial.

En esta ocasión traemos los manuales de la versión CS3 y CS4, así que esperamos les sirva y puedan sacarle el máximo provecho. Los enlaces los dejamos a continuación.

Manual Indesign CS4

Manual Indesign CS3

El uso del espacio negativo

2010-10-03T17:30:00.038-04:00

A diferencia de otros días en los cuales mayormente hablamos sobre el uso de las tipografías, colores y otros, hoy traemos un artículo que trata sobre el buen uso del espacio negativo. Sí, ese mismo que muchas veces dejamos de lado y no lo consideramos como parte de nuestro diseño por ser simplemente el "espacio vacío" que dejamos dentro de nuestro trabajo. Pero tal y como nos damos el tiempo para pensar y decidir cual tipografía o qué colores serían mejor para determinado diseño, debemos dejar un tiempo para considerar como utilizar mejor ese espacio negativo.

Comúnmente tomamos como espacio positivo, o forma, aquello que domina activamente la mirada en la experiencia visual, y nuestro fondo o espacio negativo se convierte en el elemento que actúa de forma pasiva dentro de nuestro soporte. Pero ambos tienen importancia dentro de un diseño y el espacio negativo usado de buena forma puede darnos una mayor variedad de posibilidades a la hora de diseñar, donde se puede dar mayor protagonismo a ese espacio "vacío", generando propuestas más interesantes, llamativas, y en definitiva, mejores, y para que esto te sea más fácil te ayudamos con este artículo que hemos traducido al español pensando en nuestros lectores.

El espacio negativo es un elemento importante tanto en el marketing como en el diseño. En el diseño de logotipos e impresiones el uso del espacio negativo toma parte de pensamiento y planificación, no es algo que pueda simplemente pasarse por alto o evitarse. El buen diseño trabaja tomando en cuenta todo el espacio, tanto los elementos utilizados y usados.

Que es el espacio negativo?

En terminos de diseño gráfico, el espacio negativo es la parte del diseño que no es utilizada, allí hay tres elementos que conforman el marco de la pieza. Esto incluye lo subjetivo (espacio positivo) el marco del diseño, y el espacio negativo.

El espacio negativo se refiere al espacio blanco que queda cuando trabajamos con el diseño de impresos. Este es considerado el espacio del diseño que está vacío. Puede ser tentador llenar una página con todo tipo de diseño significativo, pero esto suele ser abrumador y frustrante para los clientes. La idea es hacer que los elementos del diseño tengan una coordinación dentro del espacio en blanco, para así atraer a la gente en las esferas de actividad, en vez de distraerlas por toda la basura que podría haber.

La importancia del espacio negativo

Dentro de cualquier pieza de diseño debe haber un espacio negativo. Una pieza que no contiene espacio negativo se convierte en una pieza muy saturada y sucia. Los ojos de un espectador pasarán por todo el lugar, y si no existe un espacio negativo de importancia, entonces no podrá enfocar su vista en un solo lugar, lo que mantiene al público espectador anexo a cualquier mensaje que el diseño desee entregar.

El espacio negativo es una buena forma para mantener el balance de la simetria y el diseño. Este puede hacer que el diseño luzca mejor y mantener un mayor atractivo para los espectadores. El adecuado uso del espacio en blanco permite que los objetos puedan co-existir en la pieza de diseño. incluso si estas normalmente no coinciden, o no van de la mano. El correcto uso del espacio puede conectar similitudes y diferencias en el diseño.

resiste la tentación de llenar un anuncio con todo tipo de jerga de marketing e información. Simplemente porque hay espacio que puede ser llenado, esto no significa que necesites llenarlo todo. Un anuncio deber un teaser, un trailer de la película que no debe ser unicamente intriga sino también entretenimiento.

Como incorporar espacio negativo

primero, necesitas tener una buena idea sobre que es el espacio negativo y que no es. Haz algunas revisiones sobre el espacio negaivo y mira a través de variados ejemplos de diseño, medios para obtener una idea sobre lo que funciona bien con el espacio negativo, y qué no lo hace.

ocasionalmente, el punto focal es un elemento en la pieza de diseño que podría ser la anulación de un área del diseño como espacio negativo. Dejando que el área vacía llame la atención en formas que tu logo ordinario no lo haría.

Usar el espacio negativo para dar énfasis

El espacio negativo también puede ser utilizado para guiar los ojos de los espectadores donde tú quieras que se dirijan. Aquí está el elemento, o la pieza de diseño que es el punto focal, si usas de la manera correcta el espacio negativo para ayudar al ojo a derivar en el punto principal del diseño. El mayor uso del espacio negativo el cual rodea al tema logrará una mayor atracción visual que será objeto de coordinación hacia el diseño.

Demasiado desorden en una pieza es el recipiente para la frustración. Los clientes no necesitan una actividad tipo ¿Donde está Wally? en su anuncio. lo que ellos necesitan es ser guiados rápidamente hasta el punto - ~~que es donde los diseñadores se están quedando atrás~~ - El mundo corre rápidamente en estos días y tú solo tendrás segundos para captar la atención de un potencial cliente para así ganar más.

Si hay más de un punto focal, el uso de una jerarquia en el diseño dirije a los ojos de los espectadores a los elementos correctos. Esto significa equilibrar los elementos del diseño de manera que los ojos de un espectador sigue el camino delante de ellos cualquiera sea el diseño final.

Diferentes medios

La estrategia para usar el espacio negativo puede ser util en una variedad de diferentes medios. No solamente es una buena forma para las piezas de marketing, sino que también deberíamos poder practicarlo en el diseño de logos e incluso en la fotografía. Entendiendo el uso del espacio negativo cuando se utiliza ajustando o editando fotos que pueden ser buenas fotos y convertirlas en exvcelentes fotografías.

Ahorro de costes

Cuando se trata de diseño, mientras menos colores utilice menos será su precio. Más colores equivale a más tintas, de modo que se hace más complicado en la impresora. Sin embargo, es importante no escatimar en el diseño, sólo para ahorrar dinero en la tienda de impresión.

Artículo traducido desde Design reviver

Proceso creativo

2010-09-30T20:43:00.001-04:00

Así como el jueves pasado escribimos una entrada donde publicamos El diccionario del diseñador, este jueves, y de aquí en adelante, queremos dejar este día para hacer publicaciones donde el humor y la creatividad se hagan presente, ya que consideramos los jueves como el día que más se necesita un poco de ánimo, en primer lugar para lograr terminar la semana y luego para comenzar el fin de semana de mejor forma y ánimo, para poder descansar y disfrutar un poco antes de continuar con el trabajo.

Hoy traemos un vídeo de Mind Castle Studios, y si no habías escuchado de ellos ni visto ninguno de sus trabajos te invitamos a visitar su página web o su blog, sitios en los cuales podrás conocer más de ellos y sus trabajos. Pero volviendo al vídeo que convoca la publicación de esta entrada, tendremos la posibilidad de ver el proceso creativo que realizaron en Mind Castle para llegar a obtener una tarjeta digna de ser referente para nosotros estudiantes de diseñado gráfico, pero Además, podremos ver el proceso de como llega una idea desde un boceto al computador y como es posible que esa idea se haga realidad, proceso que en ocasiones olvidamos realizar por el apuro de comenzar y terminar un trabajo lo antes posible, un largo proceso que aquí está reducido a tan solo 3:39 min. Así que véanlo y disfrútenlo.

14 consejos para diseñar con tipografías

2010-09-29T17:52:00.000-04:00

Si hay una cosa más complicada que escoger o utilizar de buena forma las tipografías que tenemos a nuestra disposición, que por lo demás son montones, pues no me imagino que puede ser. Tipos, tipografías, fuentes tipográficas, o como sea que les digas, pero en lo que si todos estamos de acuerdo es que hay una infinidad de ellas, para todos los gustos, y están en todos lados. Para todos los diseñadores las tipografías son muy importantes tanto por su historia como por la relevancia que tienen dentro de un diseño. Una tipografía puede ayudar a potenciar un diseño o lo puede destruir por completo, por este motivo se debe tener cuidado al momento de escoger cual utilizar.

Las tipografías pueden evocar muchas cosas, ya sea por su forma, grosor, tamaño, etc, pero siempre y que las utilicemos de un buen modo cumplirán su objetivo principal, comunicar. Recordemos que no solo son un adorno, debemos tomar en cuenta una gran variedad de factores antes de optar por una tipografía u otra, no se trata solamente de cual es más bonita, o cual es más de nuestro agrado, hay una tipografía para cada ocasión, el desafío está en descubrir para qué ocasión nos puede servir cada una, y luego potenciar las características que hacen de esta una buena fuente tipografía.

En el diseño editorial es donde más aplicamos tipografías, y sí, el diseño editorial no es fácil, pero si puede ser bonito. No por utilizar tipografías debemos dejar el diseño de lado, sin embargo es necesario primero saber algunas cuantas reglas sobre legibilidad y esas cosas para luego lanzarse de lleno en el diseño y hacer un buen trabajo.

Hoy traemos 14 consejos para diseñar con tipografías que enumera Rob Carter, diseñador gráfico y profesor de tipografía en Virginia Commowealth University, en los cuales se habla sobre la legibilidad, así léanlos y a poner en practica al momento de diseñar.

1-. Para una legibilidad óptima, elija fuentes clásicas y habituales ya probadas. Normalmente los buenos tipógrafos pueden contar sus fuentes con los dedos de la mano. Con más frecuencia, son estas fuentes las que poseen las proporciones más legibles.

2-. Evite combinar fuentes que se parezcan demasiado entre sí. Evite la ambigüedad que se puede originar al combinar tipos que se parezcan demasiado. Contravenir esta norma habitualmente se considera un error porque no existe contraste suficiente entre los tipos. Para una correcta elección tipográfica tener en cuenta que dará mejores resultados si se eligen caracteres con rasgos diferentes. Por ejemplo, combinar una Helvética con una Univers o una Caslon con una Goudy Old Style no tiene sentido porque se parecen demasiado.

3-. Un texto en mayúsculas entorpece la lectura. Utilice letras en caja alta y baja (mayúsculas y minúsculas) para optimizar la legibilidad. Usar mayúsculas y minúsculas es el método normativo para presentar el texto y a lo que los lectores están muy familiarizados. Un texto que presente todas sus letras en caja alta carece de variedad rítmica y es por tanto más difícil de leer. Un texto que posee todas sus letras en caja baja resulta más difícil de leer por el contraste de las formas. El método más común de presentar el texto consiste en combinar la caja alta con la caja baja. Donde las mayúsculas marcan claramente el inicio de las frases.

4-. Para los bloques de texto utilice aquellos cuerpos que facilitan la lectura. Dichos cuerpos oscilan entre los 8 y 12 puntos (con todos los cuerpos intermedios) para un texto que se lea a una distancia media de entre 30 y 35 cms. aproximadamente. Sin embargo es importante saber que las fuentes del mismo cuerpo pueden parecer diferentes en función de la altura de X de las letras.

5-. Evite emplear demasiados cuerpos y grosores a la vez. Utilice sólo los cuerpos y grosores necesarios para establecer una clara jerarquía entre las partes de la información. Josef Müller-Brockmann recomendaba no usar más de dos cuerpos, uno para destacar títulos y otro para el texto. Limitando el número de cuerpos utilizados conseguirá páginas más funcionales y bellas. Si el cuerpo o el grosor son muy parecidos, desaparece el contraste y su relación es ambigua.

6-. Use tipo para texto de grosor adecuado. Evite fuentes demasiado gruesas o demasiado finas. Las fuentes del texto que son demasiado finas no se pueden distinguir o separar fácilmente del fondo. En las fuentes demasiado gruesas, se reduce demasiado el tamaño de sus ojos (los blancos de las letras se cierran) lo que dificulta su lectura. El grosor del tipo principal debe mantenerse en un término medio, ideal para el texto.

7-. Utilice fuentes de anchura media. Evite las fuentes demasiado anchas o demasiado estrechas. Las familias tipográficas bien diseñadas incluyen estilos condensados y expandidos que responden a las normas aceptadas sobre las proporciones. Si bien en todos los casos las opciones condensadas y expandidas fueron creadas y añadidas cuidadosamente a las distintas familias, cuesta leer un fragmento largo en estas variables así que no abuses de ellas.

8-. La mejor legibilidad se consigue con una alineación a la izquierda o desflecado a la derecha. Aunque en situaciones especiales se aceptan otro tipo de alineaciones, si se combinan siempre se pierde calidad en la lectura.

9-. Procure obtener finales de línea coherentes y rítmicos. Evite el desflecado que genere formas extrañas e inadecuadas al final de las líneas y desflecados que muestre una repetición y pautas predecibles en los finales de línea.

10-. Indique los párrafos con claridad. Las dos maneras más comunes de marcar párrafos son los sangrados y la inserción de un espacio adicional entre ellos aunque no es necesario sangrar el primer párrafo de una columna de texto. Siempre hay que indicar los párrafos con claridad, pero procurando no alterar la integridad y coherencia visual del texto.

11-. Evite viudas y huérfanas siempre que pueda. Una viuda es una línea corta, palabra o sílaba que corresponde al final de un párrafo y que aparece suelta al inicio de una nueva página o columna. Una huérfana es una línea inicial de párrafo que queda al final de una página o columna. Evítelas siempre que puedan porque rompen la continuidad de los bloques de texto, crean páginas irregulares e interfieren en la concentración de la lectura

12-. Destaque discretamente elementos del texto sin alterar la fluidez de la lectura. Realice intervenciones mínimas para obtener los máximos resultados. Destacar elementos del texto sirve sobre todo para aclarar el contenido y diferenciar partes de información. Diferentes métodos para destacar unidades de texto: uso de cursiva, subrayado, color, diferentes fuentes, versalitas, mayúsculas, negrita y normal, cuerpo mayor, contorno.Si bien ninguna de estas posibilidades perjudica al texto, algunas de ellas destacan más que otras.

13-. Mantenga siempre la integridad del tipo. Evite cambiar el set de forma arbitraria. Las fuentes bien diseñadas ofrecen calidades visuales que las hacen más legible, distorsionarlas de manera arbitraria afecta su integridad. Si desea una versión más extendida o condensada de una determinada fuente, utilice una versión diseñada específicamente para esa familia particular.

14-. Alinee las letras y las palabras sobre la línea base. Las letras están diseñadas para convivir sobre una línea base invisible. Cuando pierden esta orientación, parecen escapar fuera de control y resultan mucho más difíciles de leer. Como las letras están diseñadas específicamente para estar alineadas una al lado de la otra, cualquier desviación de la norma es cuestionable. Nunca amontone las letras.

Tutoriales Illustrator

2010-09-28T15:07:00.000-04:00

Durante el fin de semana el blog no estuvo en funcionamiento, pero más que pedir disculpas por el poco funcionamiento del blog durante el fin de semana, queremos decir que deseamos mejorar este humilde sitio virtual para que sea más agradable a quienes lo visiten y deseen buscar información referente al diseño, así que atentos porque puede que haya novedades en el blog.

Volviendo al tema que nos convoca cada día, el diseño, hoy traemos algunos tutoriales de AI (adobe illustrator) el programa vectorial por excelencia y amigo de los ilustradores, ese mismo programilla que trabaja con mallas y que no todos sabemos ocupar de buena forma.

Los tutoriales que traemos hoy son básicos, nunca está de más repasar las cosas básicas, esas mismas que luego de un tiempo de haber dejado el programa de lado se nos olvidan. Y si eres principiante y tienes todo el ánimo de aprender de forma fácil y bonita como usar Illustrator, que mejor que un par de buenos vídeos tutoriales para comenzar a hacerte amigo de este programilla, que sí, asusta en un principio con tanta opción y herramienta extraña que tiene, pero eso es lo que hace de Illustrator un programa entretenido y completo.

Así que echen un vistazo a los vídeos tutoriales, que por cierto están en español latino así que no os preocupéis, que no tendrán que descifrar palabras raras ni traducir con google traductor. Solo preocúpense de escuchar y ver los vídeos, y atentos a los últimos tres vídeos tutoriales, los cuales traen algunas de las novedades de Adobe illustrator CS5.

Véanlos, disfrútenlos, y por su puesto practiquen. Después de todo, la práctica hace al maestro, ¿no?

Dejamos con ustedes los enlaces para los demás vídeos tutoriales.

1-. Entendiendo los vectores en Adobe Illustrator CS4 [ver tutorial]

2-. Formas en Illustrator CS4 (básico) [ver tutorial]

3-. Manejo de capas en Illustrator [ver tutorial]

4-. Uso de la herramienta pluma en Illustrator [ver tutorial]

5-. Nuevo en Illustrator CS5, creador de forma [ver tutorial]

6-. Nuevo en Illustrator CS5, herramienta anchura [ver tutorial]

7-. Nuevo en Illustrator CS5, 3D (trabajo en perspectiva) [ver tutorial]

vía Atenue popular

El diccionario del diseñador

2010-09-23T21:03:00.000-04:00

Hace tiempo atrás publicamos las 50 razones para no emparejarse con un diseñador. Es siguiendo esta línea, y pensando en que ya es jueves, la agotadora semana, (algunos que todavía están recuperando fuerza de las celebraciones dieciocheras) y la falta de ánimo que puede haber a estas alturas de la semana, que hoy traemos El diccionario del diseñador, para así sacarte por lo menos una carcajada y subirles el ánimo a nuestros lectores, para que puedan terminar de buena forma la semana.

70 palabras que los diseñadores gráficos usan diariamente en su trabajo, pero a las cuales nunca se les ha visto el lado gracioso. Pues ahora puedes hacerlo, divertirse un poco a costa de nuestro propio trabajo y lo que hacemos y decimos diariamente es la mejor forma para seguir adelante con nuestros quehaceres, y hacer todos nuestros trabajos de mejor humor, así que léanlo y diviértanse un rato.

1-. Acetato. Diseñador gráfico especialista en tatuajes.

2-. Acrobat Reader. Un maromero al que le gusta leer mucho.

3-. Aerografía. Rama del diseño gráfico especializada en la rotulación de aviones.

4-. Advertising. Amenazar a un diseñador para que no cante en el área de trabajo.

5-. Adobe. Casa de campo que es fría en verano y cálida en invierno.

6-. Aguada. Estado de las diseñadoras después de pasar varios meses frente al ordenador.

7-. Aliasing. Ponerse apodos entre los diseñadores.

8-. Barroco. Erupción cutánea de los diseñadores en la pubertad.

9-. Bleeding. Reacción del cuerpo a un shortcut.

10-. Branding. Dícese de la dieta de los diseñadores que es alta en fibra.

11-. Bold. Detergente utilizado por los diseñadores.

12-. Bolígrafo. Diseñador gráfico gordo.

13-. Bosquejo. Dibujo burdo de un bosque.

14-. Caché. Atrapar una idea en el aire.

15-. Caja de X. La caja de un tipo desconocido.

16-. Carboncillo. Pequeño diseñador gráfico que es muy fregón.

17-. Cemento Iris. Conocida droga de los Diseñadores.

18-. Churriguerezco. Diseño gráfico muy fumado.

19-. Clipart. Acción de crear figuritas con clips.

20-. Convertir a curvas. Etapa final de la dieta que realizan las diseñadoras.

21-. Copywrite. Acto de transcribir un texto.

22-. Cuentahilos. Diseñador gráfico que no tiene nada que hacer.

23-. Cursiva. Diseñadora que gusta de las cartas de amor y arte con motivos románticos.

24-. Degradado. Se le llama así al diseñador que se vende muy barato.

25-. Diapositiva. Un día perfecto para Diseñar.

26-. Disco duro. Cualquier CD de heavy metal.

27-. Dreamweaver. Diseñador poco productivo y somnoliento.

28-. Estilógrafo. Diseñador gráfico de muy buen vestir.

29-. Flash. Super héroe del multimedia.

30-. Flaten. Diseñador con flatulencias.

31-. Floppy. Pastelito de chocolate relleno de malvavisco, golosina preferida de los mercadólogos.

32-. Freehand. Software de diseño preferido por los Diseñadores solteros.

33-. Fotocomponedora. Acto de tomarse una fotografía con una diseñadora de cascos ligeros.

34-. Fotografía digital. Acción errónea de poner el dedo en el lente de la cámara.

35-. GIF. Imagen que se regala.

36-. GIF animado. Imagen que se regala generalmente con escenas felices.

37-. Godete. Expresión que usan los diseñadores gangosos cuando están molestos.

38-. Illustrator. Primo de Terminator y al que le gusta mucho dibujar.

39-. Impresionismo. Estado posterior a la observación del exhibicionismo.

40-. Inches. Ayudantes del director de arte.

41-. Layer. Nombre dado a aquel diseñador que suele decir muchas mentiras.

42-. Letra de caja alta. Cajota.

43-. Letra de caja baja. Cajita.

44-. Macromedia. Prenda interior de vestir de las diseñadoras gordas.

45-. Malla. Prenda de vestir utilizada por los serigrafistas.

46-. Mega. Tienda departamental en donde surten su despensa los diseñadores.

47-. Multimedia. Prenda de vestir interior que se comparten entre las diseñadoras.

48-. Pantone. Champú suave en gran variedad de colores.

49-. Picas. Jugar competencias.

50-. Pincel. Método de transporte de los diseñadores de escasos recursos.

51-. Plotter. Apellido del mago de las impresiones en gran formato.

52-. Preprensa. Periódico especial para tartamudos.

53-. Prueba de color. Acto de verificar si el color rojo sabe a fresa, el amarillo a limón, etc.

54-. Punto de fuga. 19:00 h.

55-. Puntos. Diseñadores gráficos de raras costumbres.

56-. Quemador de CD. Se le llama así al Diseñador que escucha un CD una y otra vez.

57-. Ripear. Acción de cantar mientras se espera la decodificación de un vídeo.

58-. Screen. Película de preferida de algunos diseñadores.

59-. Señalética. Señal de moral cuestionable.

60-. Quark Express. Graznido veloz.

61-. Separación de color. Diseño gráfico con tendencias racistas.

62-. Shortcut. Pequeña cortada, que generalmente viene precedida de un bleeding.

63-. Tipo. Diseñador de nombre desconocido.

64-. Tipografía. Fotografía de un diseñador de nombre desconocido.

65-. Tipómetro. Diseñador desconocido de pequeña estatura.

66-. Tipo móvil. Diseñador desconocido al que se le puede colocar en cualquier sitio.

67-. Versalitas. Acto de mirar salas pequeñas.

68-. Viñetas. Expresión de los diseñadores senior cuando observan diseñadores junior.

69-. Web. Estado de cansancio de un diseñador gráfico.

70-. Webmaster. El más flojo de los diseñadores.

Los 4 roles del proceso creativo

2010-09-22T21:00:00.001-04:00

Como futuros diseñadores gráficos, y nos guste o no, en algún momento cuando comencemos a ejercer nuestra carrera, ya con titulo en mano, o quizás antes (como en el periodo de practica) tendremos que pasar por una agencia publicitaria. Y bien sabemos que agencias hay muchas, así como personas dentro de una agencia. Pero a pesar de tanta agencia y tanta persona trabajando dentro de estas, no todas cumplen un mismo papel ni tienen la misma importancia, y si existe una cosa que dentro de las agencias se tiene bastante claro es el rol que cumple cada persona dentro de ella, y dentro de los trabajos que se realizan.

Eso es para quienes ya han estado o están dentro de alguna de estas empresas, pero nosotros, como simples estudiantes que aún no hemos pasado por agencia alguna, y como diseñadores, la mayor parte del tiempo, solitarios, no tenemos claro cuales son los papeles principales que se pueden desempeñar. Y sí, es importante que se tenga claro cuales son estos cargos, ya que la mayor parte del tiempo cuando se trabaja en grupo, y no se tiene experiencia alguna en esto, todos hacen de todo, pero es importante definir los roles que cada uno puede cumplir para lograr de esa forma un mejor trabajo, y que en el proceso las cosas sean más amenas y simples.

Es por esto que decidimos que sería lo mejor traer un artículo en el cual quedara sobre "papel" definido cuales son los cargos principales y sus funciones básicas, de las cuales te contamos a continuación.

1-. Director Creativo.

Es el creativo valga la redundancia, el que piensa la campaña de la A a la Z y marca el camino a seguir, en definitiva el máximo responsable del concepto de la campaña y responsable de toda la estrategia. También otra de sus funciones es el seguimiento de la misma para que el resultado final sea el deseado.

2-. Copy

Es el especialista en la redacción de textos, adaptando la información del cliente a un lenguaje publicitario que a la vez se adapte al concepto creado por el director creativo, logrando comunicar de manera simple y efectiva.

3-. Ejecutivo de Cuentas

Es el malo de la película, pero no, no es quien lleva las cuentas del proyecto ni nada por el estilo, totalmente diferente a eso es su trabajo. El ejecutivo de cuentas es el encargado de defender el trabajo creativo de la agencia ante el cliente y al mismo tiempo, defender las pautas del cliente ante los creativo. Es en definitiva un coordinador que debe evaluar de manera objetiva el trabajo creativo como si fuera el cliente y después venderlo al cliente como si fuera la agencia.

4-. Director de Arte.

El director de arte es el diseñador senior que se encarga de supervisar la parte visual de la campaña. Se encarga de plasmar las ideas del director creativo y los conceptos del copy dando armonía al conjunto con una estética acorde con el concepto.

5-. Producer

Es el contratista por así decirlo. Una vez aprobada la campaña del director creativo y desarrollada por el diseñador de Arte, el producer es el encargado de hacer realidad esta misma, ya sea con la contratación de imprenta, productora de vídeo, etc.

6-. Director de Medios

Es el encargado de escoger los soportes para dar visibilidad a la campaña, contratando los espacios, tiempos y horarios de emisión que más se adapten al propósito de la campaña, por supuesto, ajustándose al presupuesto del cliente para que el ejecutivo de cuentas no se le eche al cuello y consiguiendo que la campaña tenga la mayor repercusión posible.

En definitiva, una agencia de publicidad está conformada por una gran variedad de personas, las cuales desempeñan distintos papeles, todos importantes, para lograr llegar a un buen puerto en sus trabajos, pero también es importante recordar que lo principal para realizar un excelente trabajo es tener un buen equipo de personas, que sean unidas, se motiven entre sí, y que puedan mantener una comunicación fluida. Después de todo, la comunicación es la principal herramienta para todo lo que realizamos diariamente, y por supuesto, es la base de todos nuestros trabajos como diseñadores.

Animación 3D. cortometraje Alma

2010-09-21T19:33:00.000-04:00

Luego de habernos dado un descanso por las festividades del 18 de Septiembre y toda la celebración el bicentenario, volvemos con todo para seguir entregando a nuestro lectores diversas artículos relacionados con el diseño.

Hoy, y siguiendo la línea del 3D, del cual hicimos la primera muestra en el cortometraje Nuit blanche, que si te lo perdiste te invitamos a verlo en el siguiente Enlace, traemos un cortometraje que de seguro disfrutaran. Alma es el nombre de este cortometraje escrito y dirigido por Rodrigo Blass de quien te contamos un poco más a continuación.

Rodrigo Blass, animador de nacionalidad Española y que ha trabajado desde el 2002 para la reconocida empresa de Pixar, famosa por películas tan afamadas como Toy Story, ha colaborado en películas como Up, Cars, Buscando a Nemo, Wall-e y Los increibles. Como se darán cuenta tiene grandes trabajos a su haber, y ya desde hace un tiempo decidió lanzarse en solitario dando el puntapié inicial con el corto animado Alma, que tiene una duración apróximada de 5 minutos y en el cual se cuenta la historia de una pequeña niña que juega en la nieve, pero que a través de una ventana ve algo que desea y quiere conseguir a como de lugar.

La fluidez de movimiento de los personajes, las texturas y los efectos de cámara hacen de este corto una de las grandes demostraciones de lo que se puede llegar a conseguir con trabajo y dedicación en el mundo del 3D. Así que ahora véanlo y disfrútenlo.

Las 4 esquinas de la productividad diaria

2010-09-17T19:00:00.003-04:00

Como diseñadores gráficos, y como ya lo hemos dicho en ocasiones anteriores, son muchas las tareas que debemos realizar, y la mejor forma para lograr cumplir con todas, sin dejar de lado la calidad de nuestros trabajos, es organizarse. Sí, suena fácil, pero sabemos que no lo es. Cada día es más complicado organizarse y ya no se trata solamente de tener en una agenda toda la planificación del día. Después de todo, son muchas las distracciones que tenemos y muchas veces surge más de una complicación que nos atrasa con nuestro trabajo.

Pero no creas que tan sólo pasa por un tema de concentración el que tan bien haremos nuestro trabajo, todo lo eficiente que podamos llegar a ser tiene que ver con tantas otras cosas como lo es las horas que dediquemos a terminar un determinado quehacer, pero cuidado, no te equivoques al pensar que por estar horas y horas concentrado al 100 por ciento terminarás bien y a tiempo tu deber. Después de todo, ya es sabido por la gran mayoría que más importante que dedicar horas y horas a un trabajo es hacerlo de manera productiva y organizada, de modo que podamos terminar el día de buena forma y sin quedar necesariamente muertos.

Es en la productividad diaria que están los detalles que finalmente marcarán la diferencia en nuestro trabajo, y que pueden hacer que un día sea mucho más productivo y provechoso que otro, es por eso que para ayudarte, y reducir todos estos detalles a tan sólo 4 puntos es que te dejamos los siguientes consejos.

1-. Tarea.

Para cumplir con todo lo que debes hacer diaria y semanalmente el primer paso es identificar cada una de tus tareas, interpretarlas y ponerles un "apellido". No todos nuestros quehaceres son igual ni tienen el mismo nivel de importancia. Esto puedes conseguirlo mediante una serie de hábitos.

Planifica. Destina los últimos 15 minutos de cada día a hacer un recuento de las tareas del día siguiente. Qué vas a hacer y cuándo. Fíjate sobre todo en la importancia que hay detrás de cada tarea. Haz esto todos los días.

Tareas Clave. Detecta por adelantado las 2-3 tareas más importantes del día. Empieza el día haciendo al menos una y no dejes que nada las interrumpa o te distraiga. Posiblemente supongan el 50% de tu Productividad.

Tareas Periódicas. Las repites todos los días o con mucha frecuencia. Sitúalas en momentos de bajo rendimiento y nunca empieces el día con ellas. En la práctica son como una hipoteca: quieras o no te roban tiempo y más cosas.

No hace falta una súper-mega aplicación, basta una hoja de papel para tus tareas. Cuando aparezca una, anótala y vuelve rápidamente a lo que estabas haciendo. Ya decidirás al final de la mañana o del día cuándo la harás.

2-. Concentración.

Es una de las reglas más importantes de la productividad. La mayoría tenemos claro cuales serán nuestras responsabilidades durante el día, lo que nos separa del éxito o fracaso en haberlas cumplido es el tiempo de trabajo destinado a cada una y que tan bien aprovechado fue el tiempo que dedicamos. Esfuérzate en proteger tu concentración de Distracciones e Interrupciones y multiplicarás de forma alucinante tu trabajo. Y además ganarás en satisfacción personal. Descuídalo, y echarás horas para nada.

Entorno digital. Una verdadera “planta de fabricación” de distracciones para tu mente. Saber cerrar el paso a todas estas distracciones es esencial, sobre todo cuando te propones hacer-y-terminar una tarea Clave. Sabemos que en caso de quienes son diseñadores es más complicado alejarse de todas las distracciones que Internet nos brinda, pero cerrar facebook, msn, y todos esos programillas que nos ayudan a desconcentrarnos sería un buen comienzo para ser más eficientes en nuestro trabajo.

Interrupciones. Muchas no pueden evitarse pero otras muchas sí. Corta llamadas, pide concentración y silencio, ponte auriculares… Anticiparte a ellas es ganar en calidad de trabajo.

Intensidad. Trabajar en bloques cortos de tiempo estimula la concentración y aumenta tu intensidad. La Técnica Pomodoro es un buen remedio para mentes dispersas o para rescatarte en días espesos.

3-. Información.

Nunca antes habíamos tenido tanta información. El problema es que consumimos demasiada y la mayoría sobra. Y te llega en forma de Emails, páginas web, blogs, comentarios, chats, redes sociales, foros, videos, fotos… La actividad online crece a ritmo desorbitante, pero no siempre es la mayor de nuestras amigas a la hora de trabajar en forma adecuada.

Lecturas diarias. El exceso de ruido no es mejor que el exceso de nada. No por leer decenas y decenas de blogs cada día vas a hacer mejor tu trabajo. Pregúntate (elige y decide) cuáles te informan, te enriquecen y te ayudan. El resto, elimínalos.

Redes sociales. Participa en las que de verdad te aporten algo y destina momentos del día para entrar ahí. A la hora de hacer tus tareas bórralas de tu cabeza y corta el acceso. Si estás en muchas pregúntate si merece la pena. Elimina el lastre porque todo lo que no suma, resta.

Email. Es un mal necesario por el que pasamos todos. Saber utilizarlo en tu beneficio es esencial. Porque cada día te roba muchísimo tiempo y energías. No lo leas a primera hora, ábrelo menos veces y destina momentos fijos del día para atenderlo. Verás qué diferencia.

Una buena forma de organizarte mejor es tener una herramienta para gestionar y almacenar datos importantes y dejar para leerlas más tarde cuando hayas finalizado con tus quehaceres del día.

Y por último pero no por eso menos importante, el Descanso.

Habitualmente maltratado cuando uno quiere “aumentar su rendimiento” o “hacer más cosas”. Lo primero que hacemos es cortar vida personal, ocio y tiempo libre; vida familiar o incluso descanso nocturno. Error grave. Un buen descanso es la base de una buena Productividad. Invierte en ocio y descanso y estarás invirtiendo en ti. (claro está que mucha inversión en descanso tampoco es buena, pero si debes descansar el tiempo necesario para poder aumentar tu productividad.)

Ocio personal. Encuentra o recupera tu hobby personal y destina (garantiza) momentos al día o la semana para practicarlo. El ejercicio físico, actividades al aire libre o en grupo, entretenimiento y actividades artísticas. Todo eso suma sobre tu creatividad y claridad mental.

Descanso nocturno. Muchos dicen “dormir es para débiles”. pero sabemos que es de inteligentes. Cuida las 7-8 horas diarias de sueño que debes tener y estarás listo para rendir más y mejor. Maltrata tu descanso nocturno y verás un zombi mediocre intentando superar la barrera de la vulgaridad.

Desconexiones. La frase “estar conectado al 100%” puede quedar bien en una entrevista pero es nefasto para tu rendimiento. Tener ratos, momentos e incluso días en los que ni Internet y tu móvil existen, es muy beneficioso. Te oxigenarás, podrás hacer otras actividades y a la vuelta todo te sabrá mejor.

Vía Think Wasabi

Nuit Blanche

2010-09-15T17:41:00.002-04:00

En estos días en Concepción se celebró algo más que lo que el común de la gente está preparándose para festejar este fin de semana, que si bien es importante para todos lo Chilenos, también se puede disfrutar de otras cosas.

El Festival nuevas generaciones estuvo durante dos días mostrando cine Chileno de forma gratuita, donde se exhibieron películas como Manuel de Riberos y Santos, además de una muestra de cortometrajes, creaciones de alumnos de diferentes casas de estudios, y donde se podía ver los diversos talentos existentes en nuestra región.

En el día martes de mañana los alumnos de diseño gráfico, juntamente a los alumnos de Comunicación audiovisual tuvimos la oportunidad de ser presenciales de las charlas que se dieron sobre 3D y la creación de personajes ficticios. Es siguiendo esta línea del 3D, que a muchos le interesa y llama la atención, que mostramos hoy un cortometraje que juntó vídeo y animación 3D para lograr una gran obra de la cual contamos un poco a continuación.

Nuit Blance (Noche blanca) es un corto dirigido y filmado por Arev Manoukian de Spy Films, con música de Samuel Bisson que ganó el premio LG (Life’s Good) y tal y como lo define su autor:

“Nuit Blanche explora un momento fugaz entre dos desconocidos, revelando su breve conexión en una fantasía hiperreal“.

Es la historia de amor en blanco y negro que nos regresa en el tiempo para disfrutar de cada momento en que las miradas de dos desconocidos se cruzan, donde no son necesarias las palabras, y en el cual podemos ser espectadores de cada sutil movimiento, donde podemos sentirnos parte de la escena y donde la música envuelve por completo a quien tenga el privilegio de ver este cortometraje.

Y como la idea es que aprendas viendo, y para que no peques de incrédulo, te dejamos el Making of del cortometraje, para que así puedas ver como se combinan vídeo y 3D para darle forma a este cortometraje.

Corto animado. Granny O’Grimm’s Sleeping Beauty

2010-09-14T16:34:00.000-04:00

Hace no mucho mostramos algunos cortos animados, comenzamos mostrando el corto animado por excelencia para diseñadores Logorama, en el cual se puede ver acción, drama, y por supuesto, algo que de lo que nos interesa como diseñadores, muchos logotipos, premiado en dos ocasiones y con una duración de aprox. 16 minutos es un cortometraje que no puedes dejar de ver.

Luego mostramos algo totalmente distinto, el corto animado French roast, corto francés con poco dialogo que dura un poco más de 8 minutos y el cual también participó, al igual que Logorama, en los premios Oscar en la categoría a mejor cortometraje animado, si bien no ganó, muestra una interesante y entretenida historia que te invitamos puedas ver siguiendo el enlace.

Hoy traemos un tercer corto animado, que al igual que los dos anteriores, participó en los premios Oscar en la categoría a mejor cortometraje animado este 2010. Granny O'Grimm's Sleeping Beauty es el nombre de este cortometraje, que traducido (para quienes no sean diestros en el inglés) es La bella durmiente de la abuelita O’Grimm. Dirigida por Nicky Phelan y en base a la historia creada por Kathleen O’Rourke, podemos ver a la abuelita O'Grimm como protagonista, quien pasa su tiempo cuidando a su querida nietecita y contándole una historia para que pueda dormir, aunque la pequeña no quiera. La historia obviamente está en inglés, pero no te preocupes, que la traemos con subtitulos en español, así que sólo disfruta los 6 minutos que dura este cortometraje.

Toda buena idea nace en el papel

2010-09-13T22:39:00.002-04:00

Uno de los mayores errores del común de la gente es pensar que para un diseñador el trabajo es simple. Tienes una idea, vas y la plasmas en el computador y la entregas, simple ¿no? ¡Error!

Resulta que para que una idea se lleve a cabo y llegue a buen puerto hay un largo y exhaustivo proceso detrás de ella. No es simplemente tener ideas y traspasarlas al computador. Eso lo puede hacer cualquiera, pero para lograr el propósito de nuestros trabajos, que recordemos es comunicar una misma idea a un público objetivo, debemos hacer mucho más que simplemente pensar y hacer a buenas y primeras.

En primer lugar las ideas no vienen simplemente de la nada, ni porque creemos que puede ser bonito, todas nuestras ideas tienen un por qué justificado y con fundamentos ~~(o por lo menos eso es el ideal~~) pero tampoco es simplemente llegar y sentarse frente al PC, antes de eso hay un proceso en el que debemos bocetear (dibujar) para así mejorar la idea que hemos tenido, y finalmente cuando ya esté mejorada, revisada, y aprobada, pasar nuestra idea a la pantalla.

Por esto se dice que toda buena idea nace en el papel, y es lo que se muestra en el vídeo que dejamos a continuación, que a pesar de estar hecho con papel no nació simplemente de la nada, y tampoco fue un proceso fácil y rápido, así que mírenlo, disfrútenlo, y recuerden, Toda buena idea nace en el papel.

Recursos. PSD - AI

2010-09-12T17:33:00.000-04:00

Una buena forma de ahorrar tiempo para cuando se tiene que hacer una propuesta es tener recursos de todo tipo y en todos los tipos de archivos que ocupas generalmente. Ya hemos dicho en ocasiones anteriores que uno de los mayores enemigos de un diseñador es el tiempo, y tenemos que luchar a diario para ganarle al tiempo, para que este no nos deje retrasados y podamos realizar buenos trabajos es que se nos hace necesario tener una buena cantidad de recursos a mano.

Como diseñadores utilizamos muchas fotografías y archivos vectoriales a diario, y como en Matices gráficos nos gusta ayudar a simplificar tu trabajo de diseñador, para que puedas concentrarte solo en hacer un buen trabajo y no tengas que perder tiempo valioso en buscar las cosas que necesitas para hacer lo que te habías propuesto, es que dejamos a disposición de ustedes algunos archivos en formato PSD y AI para que puedas utilizarlos cuando creas conveniente.

Arboles siluetados PSD

Arboles vectoriales

Guitarra vectorial

Futbolistas vectoriales

Brújula vectorial

Hierba siluetada PNG

7 consejos para mejorar tus fotografías de retratos

2010-09-11T17:22:00.001-04:00

Resulta que muchas veces cuando salimos de viaje con nuestros amigos o familia sacamos la mayor cantidad de fotografías que nos sea posible, ya sea por el hecho de que estamos visitando un lugar nuevo, o simplemente que el tiempo es escaso y queremos tener la mayor cantidad de recuerdos que podamos, pero con el apuro y la emoción nos olvidamos de que la cámara no toma buenas fotografías por si sola, ni con tan sólo apretar el botón, somos nosotros quienes manejamos la cámara y quienes finalmente vemos como puede salir mejor una fotografía.

Quizás una de las cosas más complicadas llega al momento de hacer un retrato fotográfico. Se nos complica un poco más por el hecho de que no son simples objetos estáticos, debemos fijarnos que salgan todos dentro del encuadre cuando es más de una persona, y rogamos que por favor nadie haya cerrado los ojos ni salga con los molestos ojos rojos. Y aún así, muchas veces a pesar del cuidado que tenemos para que la fotografía salga bien, cuando ya vas a revisar toda la inmensa cantidad de fotografías que tomaste aquel día te das cuenta que varias no salieron como pensaste en ese momento.

Hoy traemos 7 consejos, para que tus retratos fotográficos salgan mejor que nunca, consejos muy simples pero que ayudarán mucho a mejorar tus fotografías, para que todas salgan bien y sean originales.

1-. Enfoca a los Ojos. Los ojos son un imán para nuestra atención. Son un elemento clave en la comunicación y por eso deben tener un papel central en nuestros retratos. Salvo que quieras centrarte específicamente en una parte del rostro (por ejemplo, los labios), enfoca a los ojos. Especialmente cuando trabajes con profundidad de campo muy reducida. Unos ojos penetrantes, bien enfocados suelen causar un efecto impactante.

2-. Usa un fondo simple. Si hablamos de retratos, nos suele interesar centrar la atención lo más posible en la persona. Busca que ésta contraste lo más posible sobre el fondo. Juega con aperturas reducidas y fondos lo más simples y homogéneos posible. Evita, en la medida de lo posible que haya líneas muy definidas que corten el sujeto de tu retrato en 2 o 3 partes. En definitiva, reduce lo más posible los elementos que puedan distraer de la contemplación de la persona que estás fotografiando.

3-. Sácale del Centro. ¡Que sucede con esos encuadres! ( ~~es algo que diría cierto personaje que me enseñó fotografía hasta hace no más de un mes)~~ y resulta que cuando se trata de retratos no hay nada más típico ni fome que una persona fotografiada a medio cuerpo y con la cabeza en el centro geométrico del marco. Extrañamente estas composiciones es rara vez la que funcionan bien, sin embargo continúa siendo la composición por excelencia que utiliza el común de las personas. No te obsesiones con centrar tu retrato en el marco. Busca más bien los extremos. No te olvides de la regla de los tercios y sitúa algún elemento (ojos, labios) en los puntos de atención del marco. A veces la belleza se esconde en pequeñas imperfecciones o en elementos no pareados.

4-. Corta con el Encuadre. No es necesario recoger todos y cada uno de los pixels de la persona que vas a retratar. A veces un encuadre en que ciertos elementos quedan fuera ayudan a centrar la atención sobre los puntos más llamativos de tu retrato. Por ejemplo, encuadres en los que se recorta ligeramente por encima de la mirada suelen funcionar bastante bien porque ayudan a centrar la vista en los ojos.

5-. Cerca, Más Cerca. No lo uses como una ley que siempre has de cumplir. Pero en general, no renuncies a acercarte un poquito más. Ten claro que es lo que tiene que aparecer en tu foto y no metas ni un elemento superfluo más.

6-. Evita la Luz Directa. La luz molesta hace que, por mucho que lo intentemos tendamos a cerrar los ojos. Y si nos obligamos a abrirlos, forzamos la postura natural del rostro. Evita luces directas e intensas. Pero, ¡cuidado!, no vaya a ser que evitando la luz directa vayas a incurrir en un contraluz ~~¿vale?~~

7-. ¿Sólo Personas? Pues claro que no. De hecho, en muchos casos, los animales de compañía son uno más de la familia. Todos hemos visto retratos, grandes "retratos" de animales: simpáticos, divertidos, tiernos... Puedes aplicar con ellos estos mismos consejos seguro de que estarás en el buen camino para conseguir una instantánea de la que presumir con tus amigos.

Y como bonus te dejamos el siguiente consejo:

8-. Dispara, Dispara, Dispara. Quizás no lo consideres un gran consejo, pero una de las mayores ventajas de la fotografía digital es que disparar es gratis. Así que en todo lo que a fotografía digital se refiere, no te canses de disparar. Revisa siempre tus fotografías y aclara cuales fueron tus errores y como sería posible mejorarlos. Es una de las claves para comenzar a sacar buenas fotografías y ser un buen fotógrafo.

Diseñador Vs cliente

2010-09-09T19:47:00.001-04:00

Todo diseñador que ya esté ejerciendo la carrera o que esté comenzando sus estudios tiene algunas cosas bastante claras en relación a lo que sucederá en el mundo laboral en el que los diseñadores nos movemos. Una de ellas es la gran variedad de clientes con la que tendremos relación, algunos de los cuales confiarán plenamente en nuestros estudios y conocimientos ~~(lo cual lamentablemente no ocurre muy seguido)~~ y otros, ~~que son la gran mayoría~~, que no valoran nuestro trabajo ni creen en nuestros conocimientos, y que para peor y rematar el asunto, creen que por ser quienes ponen el dinero, todo debe ser tal como ellos quieren, claro está, sin tener conocimiento alguno de diseño y todo lo que esto implica., y es por esto que estamos en una constante lucha Diseñador Vs Cliente

Es en casos como estos que nosotros, diseñadores, tenemos dos opciones. primero, podemos fundamentar el trabajo que estamos realizando y convencer al cliente con los conocimientos que manejamos sobre el tema (hay que demostrarle al cliente por que estudiamos 4 años). Y segundo, optar por el camino más fácil, el cual lamentablemente se escoge mucho en estos tiempo, que es darle la razón al cliente y sacar rápidamente un trabajo para de esa forma evitar tantos peros por parte del cliente y obtener la paga de forma rápida, la cual por lo demás no siempre es la mejor. Optar por esta segunda opción creo se darán cuenta no es la mejor forma de lidiar con un cliente, ya que esto hace que finalmente los diseñadores saquen trabajos de forma rápida, sin un buen fundamento, y cobrando poco dinero por la inversión realizada durante el trabajo, y convirtiéndose nuestra carrera de esa forma en una muy poco valorada.

Es de esta forma como presentamos a nuestros preciados lectores 10 situaciones que de seguro en más de una ocasión vivirás en el mundo laboral, y la idea es conocerlas, prepararnos y en el momento que nos enfrentemos a alguna de ellas salir adelante. Recordemos que finalmente somos nosotros los responsables de que tan valorado es nuestro trabajo, y debemos hacer que así como valoran a otros profesionales también lo hagan con nosotros.

1-. Diseños por poco precio. Actualmente casi todo mundo utiliza Photoshop, todo mundo puede retocar sus fotografías y hacer fotomontajes, que se haga de forma profesional, prolija y digna es otra cosa, pero es debido a este uso masivo del software que los clientes piensan que es muy fácil tomar cualquier imagen y convertirla en un buen diseño, y está en nuestras manos de diseñadores demostrarle que se necesitan estudios y más que ver un tutorial en Youtube para hacer un trabajo de forma profesional.

2-. Quieren pagar en largas y olvidadizas cuotas. No falta el cliente "pajarón" al que se le olvidará, o que, por un u otro motivo se retrasará en el pago de tu sueldo, somos nosotros quienes debemos recordarles que no por ser seres que tienen la costumbre de trabajar en jeans y polera y andar vestidos de forma colorida no necesitemos el dinero, después de todo, también tenemos nuestras necesidades y así como el recibe su sueldo a tiempo nosotros también necesitamos recibir el de nosotros cuando corresponde.

3-. Necesitan el trabajo para ayer. Este es un clásico de clásicos en el mundillo del diseñador. Infinidad de clientes te pedirán un diseño que debería estar listo hace semanas. Lo peor viene cuando existen errores costosos por la falta de revisión en el contenido, así que deberemos tratar de que el cliente aprenda que nuestros trabajos se deben pedir con semanas de anticipación, ya que para ellos son solamente monitos, pero detrás de todos esos "monitos" hay un largo proceso de diseño, y también así como el médico necesita tener examen en mano para ver cual es el problema de su paciente, nosotros también necesitamos tener nuestro tiempo tanto para realizar la propuesta como para revisar los detalles que puedan haber.

4-. Nunca entregan a tiempo las imágenes y texto. Nunca esperes que te manden todo el contenido del diseño, tendrás que trabajar con texto simulado e imágenes diferentes a las originales.

5-. No te mandarán imágenes de alta resolución para trabajos de impresos. Existen clientes que por ahorrarse el contratar un estudio fotográfico, toman ellos mismos las fotografías y te las mandan, sin saber que las tomaron con una cámara de menos de 4 megapixeles, a un tamaño pequeño, a 72 dpi y además todas requieren una “arreglada” en Photoshop.

6-. Te forzaran a utilizar su imagen corporativa, aún si está mal hecha. No faltará el cliente que tan solo te dará un simple y triste impreso en periódico para que digitalicemos el logo de la compañía, y luego sacar desde ahí todos los impresos, separación de color para serigrafía, un sitio en Internet, una animación en Flash, etc. (Este punto es importante para uno como diseñador usar fundamentos para convencer al cliente)

7-. Siempre te piden más trabajo del acordado en el contrato. Puede ser buenos si te pagan por ello, pero si te piden algunos extras sin pagarte, entonces existe algo malo en tu forma de arreglar convenios.

8-. Te pedirán por algún diseño que ya perdieron. Espera a que tus clientes te pidan un diseño que hiciste hace tres años. Por este motivo guarda respaldos de todos tus trabajos.

9-. Te quieren controlar para cada paso en el Diseño. Existen clientes que desean controlar todos los aspectos del diseño, dejándote muy poca acción en cuanto a creatividad en el proceso. Es importante que hagas valer tu conocimiento y creatividad (en una forma amigable), para que la persona confié en tu juicio visual.

10-. Un cliente que se la sabe de todas todas. Allá afuera existen infinidad de clientes que piensan que saben todo acerca de tu trabajo. Lo mejor es saber tratar con esas personas, respetar lo que te digan, pero utilizar tu juicio de Diseñador. No hay por qué pelearse con él. Si así lo haces tendrás una terrible experiencia de trabajo. Él tratará de justificar su punto de vista y tu la de contrarrestarlo. Es un círculo vicioso que nunca termina, pero debes recordarles que fuiste tú quien estudió una carrera de diseñador, y que por tanto eres tú quien se maneja y tiene total conocimiento en esa área.

Creatividad en todos lados.

2010-09-08T17:13:00.001-04:00

Como Diseñadores gráficos, somos unos de los seres más creativos existentes en la faz de la tierra, sin desmerecer obviamente a otras carreras que al igual que nosotros necesitan grandes cuotas de creatividad como lo es Comunicación audiovisual, o una más conocida como Arte.

Sin embargo, a diferencia de otros seres creativos, como diseñadores tenemos la posibilidad de plasmar cada una de nuestras locas ideas en diferentes formas y de diversas maneras. Esto es algo que nos da un poco de ventaja, ya que no existe limitación para lo que queramos hacer, claramente mientras mantengamos nuestro objetivo principal que es comunicar una misma idea a un público objetivo, y los medios para comunicar son tan diversos y múltiples como ideas hay en la cabeza de una persona.

Como no tenemos mayores limitaciones para plasmar una idea, y para que se enteren de que realmente es así, queremos mostrar a ustedes algunos ejemplos de lo entretenido que puede ser esta carrera y las múltiples aplicaciones que pueden tener nuestras ideas creativas. Porque, muchas veces nos limitamos a nosotros mismos por una razón u otra, y en más de una que otra ocasión son mayores las limitaciones que nos ponemos a nosotros mismos que las que nos llegan desde fuera. Pero como siempre decimos acá, observando y estando al corriente en las novedades de este mundo del diseño, tu mente creativa funcionará más y mejor.

Tipografía animada

2010-09-07T17:10:00.003-04:00

Una de las cosas interesantes y entretenidas en el mundo del diseño es que siempre nos encontraremos con novedades. Cosas entretenidas y bien hechas, que son una inspiración y un referente para lo que podemos hacer con un poco de ingenio y esfuerzo.

En este Blog, el ideal es siempre traer cosas nuevas y que puedan de una u otra forma servir para la formación de cada estudiante de diseño, y también para cada día respirar, ver, sentir, y apreciar la carrera. Porque si hay una cosa segura, y es que un estudiante de diseño no tiene excusas para aburrirse.

Es pensando en esto, y también sumado al hecho, de que los alumnos de Santo Tomás de segundo año, han estado estudiando algo del nacimiento de las imprentas y tipografías, que traemos este vídeo, en el cual podremos ver el trabajo de Calango, estudio holandés que tiene trabajos bastante interesantes, y el cual en uno de sus últimos proyectos han diseñado una tipografía en movimiento, la cual está compuesta con formas básicas como círculos, triángulos y líneas, y podemos apreciar la composición de los caracteres en el vídeo que dejamos a continuación.

Disfrútenlo.

344 Daily Monster

2010-09-06T21:03:00.003-04:00

Si hay una cosa que como diseñadores debemos hacer esa es siempre estar al tanto de las novedades y actividades que hay en el mundo del diseño, claro que dentro de eso está poder mantener contacto visual con los trabajos de diferentes diseñadores para de esta forma contar con referentes a la hora de realizar nuestros propios trabajos.

Hoy, en matices gráficos, traemos a Stefan G. Bucher. Diseñador gráfico, ilustrador y escritor del cual, en su sitio dailymonster.com, podemos ver parte de su trabajo.

Este ingenioso y hábil ilustrador dibuja desde que tiene memoria publicando su primer dibujo a las 12 años y vendiendo su primer diseño a los 15. Luego de graduarse en el "Art center college of design" comenzó a trabajar para agencias publiciarias, galerias de arte, y otros tantos sitios.

El propósito de Stefan era realizar 100 monstruos en 100 días, y ahora a través de estos videos podemos mirar el proceso de creación de algunos de ellos.

Para cada mostruo que realiza comienza colocando algunas gotas de tinta negra sobre papel, para luego con la ayuda de un aerosol de aire comprimido sopla la tinta, generando diversas formas. Aquí es donde comienza el proceso creativo, en el cual Stefan gira el papel hasta visualizar a lo que será su próximo monstruo. Es allí donde se suma su ingenio y habilidad con la manos y "voilá", nace un nuevo monstruo.

A continuación dejamos un par de vídeos para que puedas disfrutar mirando el proceso creativo de este genio de los monstruos. Sí quieres ver más recuerda visitar su página,

Nota. en estos vídeos podrás ver la creación del primer y último monstruo, donde este último incluye una animación de la ilustración.

Coca~Cola Vs Pepsi. Rivalidad eterna

2010-09-03T21:14:00.002-04:00

Sin duda alguna todos quienes viven en el planeta tierra, ya sean locutores de radio, ingenieros, artistas, vendedores, diseñadores, o cualquier otra cosa, están consientes de la rivalidad existente entre las dos empresas proveedoras de bebidas gaseosas más conocidas a nivel mundial. Y es que luego de tantos años nadie se queda exento de esta rivalidad que Pepsi y Coca~Cola llevan desde hace ya tanto tiempo.

Fue buscando algo interesante que publicar en el blog que me topé con un spot publicitario creado por TBWA ChiatDay Los Angeles. que, en una forma bastante "interesante" refleja en cierto modo la rivalidad existente entre ambas empresas, y fue aprovechando esto además de algunos hechos ocurridos últimamente, que se llegó a lo que veremos en el spot publicitario, pero no sin antes contar un poco más de donde sale toda la idea para realizar el vídeo.

Resulta que actualmente y desde hace ya algún tiempo considerable, quien trabaja en alguna empresa que venda productos que se utilizan diariamente, como zapatillas, debe utilizar los productos que su empresa provee para las horas de trabajo. Sí el trabajador es sorprendido utilizando algún producto de la empresa contraria puede ser causa de despido.

Este fue precisamente el error que cometió Rick Bronson, trabajador de Coca~Cola quien prestó sus servicios durante doce años a la empresa y fue despedido por un error que cualquiera diría fue algo sin ninguna mala intención.

En el sitio de http://radiomunera.com nos cuentan lo siguiente:

"Rick Bronson, un conductor de camiones de suministro que trabajó para la mayor empresa mundial de bebidas gaseosas durante doce años, fue despedido después de que un anónimo informara a la empresa de que estaba "apoyando al enemigo" por consumir un producto de Pepsi, según señaló un portavoz del sindicato de transportistas International Brotherhood of Teamsters. "

Fue este el hecho el cual sumado al ingenio de TBWA ChiatDay que nació el spot publicitario que dejamos a su disposición. Véanlo y comenten.

Visto por ateneupopular

Lounga design 2010

2010-09-02T19:00:00.002-04:00

Ya que algunos compañeros de Diseño aún no están al día con el evento a realizarse en Chillán este próximo viernes 10 de Septiembre, y también debido a que en Matices gráficos nos gusta mantenerlos informados, he aquí toda la información referente al evento: Lounga design conferences, y quizás algún que otro compañero se entusiasme para asistir a dicho evento.

LOUNGA nace debido a la necesidad de llevar a la octava región instancias de conocimiento y debate en torno al diseño, la gráfica y nuevas tendencias que permiten hoy en día generar nuevas ideas, derivadas de experiencias vividas por profesionales del área.

Este evento se genera como la continuidad de lo que fue la primera conferencia de diseño en Chillán en el año 2008. En 2009 la segunda conferencia fue cancelada por motivos externos, y este 2010 regresa con todo gracias a la motivación del equipo actual que organiza y crea LOUNGA DESIGN CONFERENCES.

Para esta ocasión los organizadores de Lounga traen interesantes expositores los cuales presentamos a continuación.

- CARBURADORES. creadores del ya conocido PRISMA TV, programa enfocado al diseño gráfico en Chile. En esta ocasión hablarán de como nace la idea de este programa, el desarrollo que este tuvo y cuales son los planes para el futuro.

- JOBBIT GAMES. Empresa dedicada al desarrollo de video juegos para diversas soportes como PC, Web, Xbox, Wii, Ps y Iphone. Durante su presentación compartirán con todos los asistentes sobre la realización de videojuegos en Chile desde provincia.

- PRIGA COSTA. Diseñadora industrial proveniente de Brasil, quien tienen una especialización en diseño gráfico y dirección de arte. Ha trabajado tanto en cine como en diseño editorial en Brasil y ahora Chile, y ahora en Lounga design Expondrá su experiencia en las distintas áreas que ha trabajado.

Además de estos interesantes conferencistas también estará presente con su Stand la tienda LOVIT, ya conocida por muchos, y claramente no podíamos dejar de contarte que el evento es total y absolutamente gratuito así que no te puedes perder este evento que se viene buenísimo.

+ información. http://lounga.com/

Tipografías Chilenas!

2010-09-01T17:36:00.006-04:00

Mirando por internet encontramos una página increíble, se llama "Esos Tipos de la Utem"; esta página es una agrupación tipográfica que expone gratuitamente su catálogo a todos los interesados. Son alfabetos de más de 200 carácteres y en formato opentype, nos permiten utilizar las fuentes en variados idiomas y en distintas plataformas computacionales.

Las Tipografías son creadas por alumnos del "Curso de Diseño de Fuentes Digitales de la Universidad Tecnológica Metropolitana", además han sido editadas, mejoradas y ajustadas por el tipógrafo Chileno Javier Quintana.

Esos Tipos de la Utem es un espacio que ha sido destinado a la difusión de ideas en torno a la tipografía y funciona también como un punto de encuentro para quienes buscan herramientas para la comunicación visual. La tipografía como sabemos es teoría y práctica.

Se irán publicando cada cierto tiempo nuevas tipografías así que están todos invitados a visitar el sitio, y obviamente a aprovechar al máximo las fuentes.

Para visitar el sitio: www.esostiposdelautem.cl

Corto animado. French Roast

2010-08-31T19:14:00.000-04:00

Así como en una ocasión anterior trajimos a ustedes el corto animado Logorama, que si te lo perdiste te invitamos a verlo en el siguiente Enlace, hoy traemos a ustedes otro corto animado. French Roast es un corto Francés, el cual, al igual que Logorama participó por los premios Oscar en la categoría de mejor cortometraje animado en el año 2009, si bien es cierto no ganó, este cortometraje se merece un espacio para que puedan apreciar porqué fue nominado a mejor corto animado, y también de paso, para que puedan disfrutar de esta animación.

Este corto animado a diferencia de Logorama no tiene mucho dialogo, lo cual es bueno ya que el poco dialogo que aparece en el cortometraje es en Francés, pero es un cortometraje bastante interesante, al que sólo hay que dedicarle un poco de tiempo y atención para poder disfrutarlo. Son 8:18 minutos que de seguro no sentirás has perdido, sino que por el contrario, además de haberte entretenido por un rato, podrás apreciar el trabajo de personas con experiencia, quienes pueden ser referentes para todos quienes nos movemos en estos mundos de diseños, animaciones y demás.

Así que véanlo, disfruten, y opinen.

¿Cómo diseñar más rápido y mejor?

2010-08-30T19:16:00.001-04:00

Como estudiantes de diseño gráfico sabemos que en este mundo de diseñadores la mayor parte del tiempo debemos realizar trabajos en tiempo récord. El tiempo es uno de los mayores enemigos de un diseñador, entre algunas otras cosas como en ocasiones los propios clientes, pero debemos lograr organizarnos y ganarle al tiempo para así cumplir con todos nuestros deberes sin dejar la calidad de los trabajos de lado.

Quizás para cualquier persona que no esté familiarizada con la vida de los diseñadores suene simple, pero en realidad se necesita un poco más que una agenda para realizar las cosas de acuerdo a como están planificadas en nuestras mentes y lograr llegar a realizar todo sin tanto inconveniente.

Es por esto, y también porque sabemos que a veces alguno que otro consejo no está de más, que decidimos traer a nuestros queridos lectores, alguna que otra recomendación para agilizar el proceso de diseño, y llegar a obtener un trabajo de calidad.

Eh aquí que presentamos 14 consejos para que el tiempo no gane y siempre podamos tener satisfactorios resultados sin tanto estrés de por medio. Esperamos sean útiles y si te parece que falta algún otro buen consejo puedes dejar su comentario.

1-. No es más rápido quien primero empieza a hacer click en el ratón. Muchas veces es mas rápido pararse a pensar como vas a hacer una tarea concreta que empezar a hacerla sobre la marcha.

2-. Respira diseño. Mirar las soluciones de otros, analizarlas y entenderlas te permitirá inspirarte a la hora de abordar un proyecto (no confundir con copiar, inspiración es algo que todos lo diseñadores necesitamos a la hora de realizar algún trabajo).

3-. Lee, conversa y diviértete. Distraerse y tener otros intereses (aparte del diseño) también aporta en la creación de ideas, tan solo recordaros que normalmente se diseña para un público, y para poderlo hacer con coherencia se debe conocer el público y el ámbito en el que se mueve.

4-. Opina, participa. Ten un discurso propio, infórmate, debate, aprende a plantear tus puntos de vista, con un poco de suerte y tiempo esto ayudará a que tengas las ideas más claras y puedas argumentarlas mejor delante de tus clientes (o jefes).

5-. Escucha las ideas de otros y respétalas. Olvida el ego, todos aprendemos de todos, piensa que normalmente es más sabio el que escucha y aprende de ello que el que solo habla.

6-. Comienza con el lápiz. La mejor manera para encaminar un trabajo es esbozándolo primero en papel, dándole la primera forma, así podremos descartar muchos bocetos y hacer una primera selección de manera rápida.

7-. Dedica tiempo a diseñar por diversión. Diseñar sin tener que hacer cambios caprichosos del cliente y con el único objetivo de aprender y mejorar es, sin duda, una estupenda forma de cargarte de ganas (aparte de hacer lo que tu quieres).

8-. Piensa las decisiones aunque te estén apurando. Constantemente estamos contra el tiempo, con alguien apretando. Aún y con eso, piensa cada una de tus decisiones. Recuerda que si cometes errores será el doble de trabajo.

9-. Haz de tu lugar de trabajo un sitio agradable. Trabaja con material de calidad, personaliza tu escritorio, familiariza tu entorno de trabajo (un retrato de tu hija, de tu pareja) hará que el espacio donde pasas buena parte del día sea mucho más ameno.

10-. Aprende a usar tus herramientas. ¡Por supuesto! aprende las herramientas como un carpintero sabe usar su martillo o un pintor sabe usar su pincel. Si sabes lo suficiente de tus herramientas, las tareas serán mucho más rápidas y ágiles.

11-. Memoriza atajos de teclado. Podríamos entender que esto corresponde al punto anterior, pero me gustaria remarcarlo, aprender atajos de teclado agiliza de forma sorprendente las tareas.

12-. Mantén una galería de recursos. Recopila material útil, ten una galería de imágenes, junta tus tipografías, guarda tus brushes y patterns de photoshop, etc.

13-. Forma y/o participa de una comunidad. Opina, debate, escucha ideas y si puedes y tienes tiempo, forma tu propia comunidad, tu blog, tu foro. Eso te obligara a mantenerte al día de lo que pasa fuera de las cuatro paredes del trabajo y te ayudará a mantenerte actualizado.

14-. Y por último pero no menos importante, disfruta trabajando. Esta quizas sea la más importante de todas. Intenta pasártelo bien con cada trabajo, que cada nueva tarea sea un reto donde superarte, que no sea tan solo otro trabajo más. De esta manera trabajarás mas rápido y al acabar la jornada te sentirás realizado y con ganas de continuar el día siguiente.

Nuevo semestre

2010-08-29T23:48:00.002-04:00

Así es, para todos los alumnos de Santo Tomás inicia un nuevo semestre, quizás es algo pronto para algunos y el descanso no ha sido el suficiente, pero los deberes nos llaman y hay que acudir y estar atentos para cumplir con cada uno de ellos.

Repasando un poco lo que fue el primer semestre de clases, el que no es un recuerdo muy lejano ni borroso ya que hace tan sólo una semana atrás terminamos la primera jornada de clases de este 2010, todos sabemos que fue un tanto complejo, comenzamos con retraso, no por decisión ni gusto nuestro, pero logramos retomar nuestras actividades normales. con un poco de dificultad y soportando algunas que otras complicaciones tanto climáticas como estructurales, y es que luego de un terremoto 8.8 no se podía esperar menos, pero logramos iniciar y terminar el semestre.

Ahora se nos viene otro semestre, esperamos mejor que el primero, y como este es un Blog dedicado a los diseñadores ~~en especial diseñadores gráficos~~ esperamos que todos nuestros compañeros tengan un excelente segundo semestre, porque como escribimos en una de nuestras primeras publicaciones, el diseño es más que una simple carrera, y si bien es cierto muchas veces nos sentimos frustrados y nos disgustamos cuando las cosas no nos salen bien, y debemos estar noches completas sin dormir, que en todo este mundo del diseño es algo muy normal, es una gran carrera y la satisfacción al final siempre llega, si hay esfuerzo de por medio claro está.

Es así, como les deseamos a todos nuestros compañeros de Santo Tomás, y en especial a nuestros compañeros de diseño un muy buen segundo semestre y sobretodo éxito en sus proyectos, mientras tanto, y a medida que avance el semestre, esperamos poder continuar entregando el ánimo y herramientas necesarias con cada entrada que se publique en este pequeño espacio virtual, que como siempre, tiene el propósito principal de que puedan aprender y sobretodo disfrutar de la carrera que han escogido.

¡ÉXITO, Y ARRIBA EL DISEÑO!